O DEUS NEON (2016)

 

O curta-metragem "O Deus Neon" combina Terror, Suspense, Thriller e Gore para construir uma narrativa visceral que impressiona tanto pela violência explícita quanto pelas reflexões que provoca. Dirigido, roteirizado e produzido por Taísa Ennes Marques e Rafael Duarte, o filme utiliza uma premissa simples, mas extremamente inquietante, para discutir temas como justiça, vingança, cultura digital e a facilidade com que a violência pode ser legitimada quando encontra apoio coletivo.

Desde a primeira cena, o espectador é lançado diretamente em uma situação angustiante. Durante uma transmissão ao vivo na internet, um homem revela, por meio de cartazes, que capturou um ladrão que tentou invadir sua casa. Em seguida, anuncia que dará ao público 70 minutos para decidir qual será o destino do criminoso. A partir desse instante, instala-se uma contagem regressiva que aumenta constantemente a tensão. Cada minuto que passa aproxima o desfecho inevitável, enquanto a participação dos internautas transforma o público da live em parte ativa da violência que está prestes a acontecer.

Essa estrutura narrativa funciona muito bem porque cria uma sensação permanente de expectativa. Não acompanhamos apenas o sofrimento do homem amarrado, mas também a escalada da crueldade incentivada pelos espectadores da transmissão. O curta faz com que a tensão cresça de maneira gradual, permitindo que o horror seja construído não apenas pelas imagens, mas também pelas reações das pessoas que acompanham tudo através da tela.

"O Deus Neon" estabelece um diálogo bastante crítico com questões extremamente atuais. O filme aborda a sensação de impunidade, o descrédito em relação às instituições públicas e o crescimento de discursos que defendem a justiça pelas próprias mãos. Em vez de oferecer respostas fáceis, a narrativa expõe como determinados sentimentos de revolta podem abrir espaço para atitudes cada vez mais violentas quando encontram validação coletiva.

Um dos aspectos mais inteligentes do roteiro está justamente na utilização da internet como elemento central da narrativa. Os comentários publicados durante a transmissão deixam de funcionar apenas como complemento da cena e passam a ocupar um papel dramático fundamental. Eles representam uma multidão invisível que influencia diretamente cada decisão do protagonista. Aos poucos, essa massa virtual transforma-se em um verdadeiro terceiro personagem do filme, conduzindo os acontecimentos sem jamais aparecer fisicamente.

Esse recurso ganha ainda mais força quando descobrimos que os comentários exibidos na live foram retirados de publicações reais feitas por internautas em notícias sobre arrombamentos e assaltos ocorridos entre fevereiro de 2014 e março de 2015. Essa escolha aproxima perigosamente a ficção da realidade e torna a experiência muito mais desconfortável. O espectador percebe que aquelas mensagens não foram inventadas para chocar, mas representam pensamentos que já circularam livremente nas redes sociais.

Ao transportar esses comentários para dentro da narrativa, Taísa Ennes Marques e Rafael Duarte evidenciam como determinados discursos violentos podem parecer naturais quando permanecem restritos ao ambiente virtual. O filme apenas leva essas manifestações às últimas consequências, obrigando o público a confrontar o impacto real das palavras quando elas deixam de ser apenas opiniões e passam a orientar ações concretas.

As atuações de Henrique Larré e Samuel Reginatto contribuem significativamente para a intensidade da obra. Mesmo com poucos diálogos diretos, ambos conseguem transmitir grande carga dramática através da expressão corporal e das reações emocionais. O ladrão aparece completamente vulnerável, dominado pelo medo, pela dor e pelo desespero diante daquilo que está prestes a acontecer. Sua fragilidade torna as cenas ainda mais perturbadoras.

Em contraste, o dono da casa demonstra absoluto controle emocional. Sua postura é fria, calculada e quase mecânica. Em nenhum momento ele parece agir movido por impulsos descontrolados. Pelo contrário, executa cada ação como se estivesse apenas cumprindo uma tarefa determinada por outra pessoa. Essa ausência de explosões emocionais torna sua figura ainda mais assustadora, pois transmite a sensação de alguém que encontrou justificativa moral para cada ato de violência praticado.

A ausência de conversas entre os dois personagens reforça esse desconforto. O silêncio cria uma barreira entre vítima e agressor, eliminando qualquer possibilidade de empatia ou negociação. Tudo o que resta é a execução de uma sentença construída coletivamente pelos espectadores da transmissão.

Tecnicamente, "O Deus Neon" apresenta um trabalho bastante consistente. A fotografia constrói um ambiente escuro e opressor que amplia a sensação de confinamento. A iluminação utiliza contrastes marcantes entre luz e sombra para destacar tanto a brutalidade física quanto o isolamento emocional dos personagens. O espaço onde a ação acontece torna-se quase um cenário de tribunal improvisado, onde a multidão virtual assume simultaneamente os papéis de juiz, júri e carrasco.

A trilha sonora também merece destaque por sua eficiência. Em vez de buscar protagonismo, ela acompanha o desenvolvimento da narrativa e intensifica gradualmente a tensão. Os efeitos sonoros e o desenho de som ampliam o impacto das cenas de violência sem recorrer a excessos desnecessários, contribuindo para manter o espectador constantemente desconfortável.

A maquiagem e os efeitos práticos reforçam essa proposta ao apresentar ferimentos convincentes e uma violência visual bastante realista. O Gore presente no filme não surge como mero espetáculo gráfico. Cada marca no corpo do prisioneiro possui função narrativa, evidenciando a escalada de brutalidade estimulada pela audiência da live.

Um dos momentos mais simbólicos acontece quando um dos participantes da transmissão chama o protagonista de "deus". A partir desse instante, o título do curta adquire pleno significado. Ao receber essa denominação, o personagem passa a ocupar simbolicamente uma posição de autoridade absoluta sobre a vida de outro ser humano. A aprovação constante da multidão fortalece sua sensação de poder e alimenta a ilusão de que suas ações ultrapassam os limites da moralidade comum.

Essa construção evidencia uma crítica bastante pertinente à forma como parte da sociedade transforma determinados indivíduos em figuras quase messiânicas sempre que eles prometem solucionar problemas através da força. O filme demonstra como o desejo de vingança pode ser confundido com justiça e como a aprovação coletiva pode servir de combustível para atitudes cada vez mais extremas.

Mais do que discutir a violência física, "O Deus Neon" propõe uma reflexão sobre responsabilidade coletiva. O protagonista executa as agressões, mas não está sozinho. Cada comentário incentivando novas formas de tortura contribui para legitimar seus atos. O filme questiona até que ponto aqueles que assistem, aprovam e incentivam também compartilham parte da responsabilidade pelos acontecimentos.

No fim, percebe-se que talvez o verdadeiro horror não esteja apenas nas ações do homem que conduz a transmissão, mas na facilidade com que centenas de pessoas participam daquela violência sem qualquer consequência imediata. A barbárie deixa de ser individual para assumir uma dimensão coletiva.

"O Deus Neon" vai muito além de um exercício de Gore ou de Terror extremo. Trata-se de uma obra que utiliza o horror como ferramenta para discutir ética, justiça, violência e comportamento social na era digital. Com uma direção segura, atuações convincentes, excelente construção técnica e uma premissa extremamente provocadora, o curta entrega uma experiência intensa e desconfortável. É um filme que permanece na memória justamente porque obriga o espectador a refletir sobre até onde pode chegar uma sociedade que transforma a violência em espetáculo e a vingança em entretenimento.

Assista Deus Neon: Vimeo

PARANOIA (2025)

            Com roteiro e direção de Ju Cassini, “Paranoia” é um Terror perturbador que transita entre o suspense sobrenatural e o thriller psicológico com muita competência e qualidade.

         Luiz Fontes interpreta o atordoado Daniel, que carrega consigo traumas de uma brincadeira que não saiu como o esperado. Sua companheira, Marina, interpretada por Beatriz Algranti, é o ponto de racionalidade, que procura fazer com que Daniel mantenha a sua sanidade mental. As atuações de Luiz e Beatriz são viscerais, intensas e positivamente impactantes. O elenco ainda conta com a participação de Marisa Carnicelli.

            Tudo em “Paranoia” funciona. O susto inicial de Daniel é o gancho para que seus problemas sejam transmitidos ao espectador. A inquietação de Marina, combina com a paciência, pois, para ela, o companheiro sofre de algum distúrbio. E é aí onde “Paranoia” se destaca. Ao deixar no ar se as visões de Luiz são alucinações ou algo a mais, o filme trabalha com as duas hipóteses de maneira primorosa. O texto não bate o pé e afirma que as perturbações de Daniel são reais ou alucinações. Esse namoro do Horror psicológico com o Thriller sobrenatural é intenso, impactante e delicioso para os fãs do gênero.

         “Paranoia” tem elementos técnicos muito bem empregados. A direção de fotografia consegue alternar um ambiente acolhedor e assustador. A escuridão do quarto, iluminado apenas por um abajur, se mostra como um ambiente confortável, onde Marina lê um livro. Mas, com a entrada de Daniel, a mesma escuridão já não passa a transmitir o mesmo senso de afinidade, fazendo com que, talvez, o melhor seja acender a luz e deixar o ambiente o mais claro possível.

           A trilha sonora acerta em cheio ao construir o ambiente acolhedor e, com cortes rápidos, começar a imergir o espectador na mente de Daniel. E a trilha cresce em intensidade junto com a trama, quando o protagonista acorda no meio da madrugada.

         A direção de arte merece destaque e todos os elogios possíveis. Os elementos explorados são de uma precisão extrema. Os efeitos práticos são perfeitamente aplicados e tudo é maravilhosamente bem construído. As ações de Daniel causam angústia e aflição. E para os fãs do Terror, terminam por causar satisfação, devido à qualidade da obra.

         Quem assiste “Paranoia” sem saber, provavelmente irá considerar que a obra foi produzida por algum profissional veterano. Mas este é apenas o segundo filme produzido por Ju Cassini. A jovem diretora apresenta ótimos predicados para a produção de um excelente filme de Terror, inserindo aspectos visuais e sonoros extremamente pertinentes, pontuais e necessários. Não há nada fora do lugar em “Paranoia”; tudo está no lugar certo e na hora certa. Não há exageros e tudo o que acontece em cena é a extração do máximo que o texto oferece.

               Ju Cassini desponta como um grande nome nas produções de Terror brasileiro. Já em “Reflexos”, de 2024, ela já demonstra um grande potencial. Com “Paranoia”, já é possível perceber que a diretora-roteirista sabe o que está fazendo e tem pleno conhecimento de como elementos técnicos e narrativos devem ser empregados. Aí, é o caso de perceber talento, conhecimento e dedicação por parte de Ju Cassini. Este parece ser o início de uma carreira brilhante.

         “Paranoia” é um filme de Terror maiúsculo, que explora o sobrenatural e as perturbações psicológicas de maneira magistral, mesclando realidade, alucinações e traumas profundos de forma tão sutil quanto angustiante, levando o espectador a duvidar da sanidade do protagonista e da sua própria. Pois, a linha que separa realidade e sobrenatural não é estabelecida, cabendo ao espectador tentar descobrir se tudo o que aconteceu foi real ou não.

LARVAE (2015)

Em uma isolada e pacata propriedade rural, um agricultor começa a ser atormentado por um zumbido incessante e dores intensas em seu ouvido. À medida que o incômodo cresce, ele decide investigar o problema por conta própria e descobre uma larva que havia se alojado em seu ouvido. Acreditando que teria resolvido a questão, ele se tranquiliza momentaneamente. No entanto, as dores e o zumbido retornam de forma ainda mais intensa, levando-o a procurar um médico. Após a consulta, o diagnóstico é tão assustador quanto a situação: uma mosca havia entrado em seu ouvido e depositado uma quantidade significativa de ovos. O médico retira diversas larvas, mas mesmo com a intervenção, o agricultor descobre que a solução definitiva para seu problema exigiria uma consulta com um especialista, algo que poderia levar muito tempo. Com o tormento aumentando e a espera se tornando insuportável, o protagonista começa a perder o controle sobre si mesmo, culminando em uma atitude desesperada e insana que encerra o filme de maneira perturbadora.

O curta-metragem "Larvae", dirigido e roteirizado por Felipe M. Guerra, é uma obra de Terror que se destaca pela combinação eficiente de elementos dos subgêneros Trash e Gore. Desde o início, o filme se propõe a mergulhar o espectador na experiência agoniante do protagonista, utilizando recursos visuais e sonoros que intensificam o desconforto. A estética visual é construída com grande competência através do uso de efeitos práticos, que criam uma atmosfera grotesca e visceral. O espectador é confrontado com cenas gráficas e explícitas, que exibem o sofrimento físico do personagem com uma crueza impressionante. O sangue, as larvas e o constante foco no ouvido do protagonista são elementos que reforçam a tensão, aproximando o público do terror que o personagem vive.

A direção de Felipe M. Guerra demonstra uma habilidade ímpar em orquestrar o desconforto, criando uma crescente de angústia ao longo da trama. A escolha de planos e ângulos de câmera é essencial para essa construção. No início do curta, prevalecem ângulos mais abertos, que contextualizam o ambiente rural e a rotina solitária do agricultor. Contudo, conforme o tormento avança, a câmera se aproxima do protagonista, com planos fechados e invasivos que amplificam a dor e a sensação de perturbação do personagem. Essa transição é acompanhada por uma trilha sonora cuidadosamente construída para evocar tensão e desconforto. Os sons perturbadores, como o zumbido no ouvido e o barulho das larvas, são trabalhados de forma a intensificar a angústia do espectador, criando uma imersão sensorial que vai além do visual.

Além dos aspectos técnicos, é necessário destacar o trabalho do elenco, que contribui significativamente para o impacto dramático de "Larvae". Renoaldo Pavan, que interpreta o agricultor protagonista, oferece uma atuação impressionante. Sem muitos diálogos, ele transmite a crescente agonia de seu personagem através de expressões faciais e corporais. A forma como o medo, o desespero e a loucura vão se apoderando dele ao longo da narrativa é um dos pontos altos do filme. O elenco coadjuvante, composto por José Carlos Ribeiro e Oldina do Monte, também entrega performances convincentes, reforçando a veracidade das interações e elevando o nível da produção.

O roteiro de Felipe M. Guerra é outro fator de destaque. Embora a premissa de uma infestação de larvas no ouvido seja, por si só, uma ideia perturbadora, o desenvolvimento da trama vai além do terror físico, abordando também o impacto psicológico do sofrimento prolongado e da espera por uma solução. A narrativa explora como a dor constante pode levar uma pessoa à beira da insanidade, tornando o protagonista vulnerável a atos extremos. O filme não oferece um alívio fácil para o espectador; ao contrário, ele mantém a tensão até o final, culminando em uma resolução brutal e chocante.

A fotografia desempenha um papel crucial na construção do clima do filme. Com um cuidado estético, combinado com a direção de arte detalhada, cria uma atmosfera opressiva que é mantida do início ao fim.

Outro ponto que merece ser ressaltado é o uso do som em "Larvae". O design sonoro do filme é tão importante quanto os elementos visuais. Os zumbidos, o barulho das larvas e os sons ambientes são usados de forma estratégica para amplificar o horror e criar uma experiência sensorial completa. É uma obra que explora o desconforto de maneira minuciosa, fazendo com que o espectador sinta fisicamente o tormento vivido pelo protagonista.

A sequência final de "Larvae" é, sem dúvida, um dos momentos mais impactantes do filme. Incapaz de suportar a dor e o tormento mental, o protagonista toma uma decisão desesperada que culmina em um ato de surpreendente. O desfecho é brutal e não oferece qualquer tipo de resolução confortável, deixando o espectador atordoado e reflexivo. A escolha de encerrar o filme dessa forma é ousada e reforça a natureza perturbadora do curta, tornando-o uma obra que não é recomendada para espectadores sensíveis, especialmente aqueles que podem ser afetados por temas de autolesão e desespero.

"Larvae" é uma obra de Terror que se destaca pela sua ousadia e pela capacidade de gerar desconforto genuíno. Com uma trama simples, mas muito bem executada, o curta-metragem utiliza os elementos clássicos do Gore e do Trash para construir uma experiência visceral, onde os aspectos técnicos, como a direção de arte, os efeitos práticos e o design de som, trabalham em perfeita harmonia para criar uma atmosfera de horror intenso. O resultado é um filme perturbador, que deixa uma forte impressão e é especialmente recomendado para os fãs do gênero que apreciam obras carregadas de tensão e brutalidade visual. "Larvae" é uma experiência única dentro do Terror Trash e Gore, e merece ser destacado pela qualidade com que entrega seu impacto dramático e sua originalidade.   

   

JUVENÍLIA (1994)

Antes de qualquer coisa, é preciso alertar que “Juvenília” é um filme extremamente forte e pesado, não sendo indicado para pessoas sensíveis. Muito provavelmente, este é um dos curtas de Terror mais chocantes, nem tanto pela forma, mas pelo conteúdo violentamente perturbador.

         O diretor e roteirista Paulo Sacramento apresenta uma narrativa através de uma exposição de fotos que conduzem a trama. As primeiras imagens mostram um bairro tranquilo, de médio padrão e ruas largas. Logo, os personagens surgem em cena. Eles são interpretados por Christian Saghaard, Paolo Gregori, Vitor Ângelo e Sônia Marmo. À toa, andam pelo bairro, até que encontram um cachorro. Eles, então, decidem por uma sessão de tortura e assassinato do animal.

         Essa sequência de cenas é muito perturbadora, pois o sadismo domina o ânimo dos jovens. Enquanto as imagens mostram as primeiras agressões até a abertura do ventre do cachorro já morto, os jovens riem e se divertem.

          A polêmica que gira em torno do filme de Paulo Sacramento se dá pela violência contra um animal indefeso; e essa realmente é a ideia do filme. Porém, é necessário explicar que o cachorro usado nas filmagens já estava morto.

         O local onde os realizadores conseguiram o cão é um canil, onde animais são recolhidos. Se ninguém procurar pelo animal num prazo de três dias, o mesmo é sacrificado. A equipe de Paulo Sacramento solicitou um desses animais recém sacrificados. Portanto, o cachorro filmado para o curta já estava morto.

         “Juvenília” é um filme de violência extrema, que incomoda demais, mesmo com um animal morto. Se outros filmes de ficção, apresentam cenas violentas de tortura com humanos ou assassinatos de crianças, a obra de Paulo Sacramento soa muito mais violenta por se tratar de um semidocumentário. Jovens entediados caminham pelas ruas do bairro, até encontrarem algo que lhes dê satisfação: torturar e matar um cachorro.

         Num país onde, infelizmente, muitos já se acostumaram com a violência periférica e negra, é chocante ver jovens brancos e de classe média cometendo um crime tão hediondo. A proposta do filme é abordar essas contradições. Por que a violência distante da nossa realidade não perturba tanto quanto a que é cometida pelos jovens do filme? Infelizmente, houve uma naturalização da violência contra crianças, jovens e adultos negros periféricos. O maior impacto do filme de Sacramente se dá, justamente pelo fato dos envolvidos não serem jovens pobres, negros e de periferia. Os personagens não são jovens, envolvidos com criminalidade, e que podem matar ou morrer a qualquer instante. O diretor-roteirista força o espectador a questionar que violência é violência, não importa quem é o autor ou a vítima. O filme propõe uma reflexão muito maior do que é mostrada em tela.

          “Juvenília” é um filme chocante, até para quem tem estômago. O curta é um Terror Gore extremamente perturbador. O filme vai além da trama de jovens que decidem matar um cachorro. O filme explora a maldade, o sadismo e o quão mau muitas pessoas podem ser. O Terror de Paulo Sacramento em “Juvenília” não tem nada de sobrenatural, ou Slasher, ou Thriller. É um Terror que se aproxima muito do real, e isso é motivo para se temer.