UM CAFÉ E QUATRO SEGUNDOS (2018)

 

Castro Mendes chega à residência de Aristides depois de décadas sem contato. Ex-colegas de trabalho em um órgão de repressão da ditadura militar brasileira, os dois homens carregam um passado comum que nunca foi realmente resolvido. O reencontro, aparentemente cordial, já nasce carregado de silêncios, olhares e tensões que denunciam que aquela visita vai muito além de uma simples conversa entre velhos conhecidos.

Com atuações intensas e absolutamente magnéticas de Osmar Prado e Samir Murad, interpretando Castro Mendes e Aristides, o curta constrói uma atmosfera densa desde os primeiros minutos. A preparação minuciosa da casa de Aristides, a organização quase obsessiva do ambiente e o cuidado nos pequenos gestos transmitem uma tentativa de acolhimento, mas também revelam um homem que busca controlar tudo ao seu redor, talvez como forma de compensar aquilo que nunca conseguiu dominar internamente.

O diálogo inicial é econômico, mas extremamente eficaz. Em poucos minutos, o espectador é situado nas alegrias, frustrações e marcas deixadas pelo tempo. Castro Mendes aparenta ter tido uma trajetória mais estável, enquanto Aristides, viúvo há mais de uma década, demonstra dificuldades evidentes em lidar com o envelhecimento, a solidão e, principalmente, com as memórias de um passado que ainda o assombra. O encontro, que começa com lembranças quase afetuosas, logo revela fissuras profundas.

Cristiano Requião, responsável pelo roteiro e direção, realiza um trabalho primoroso ao conduzir essa transição do confortável para o desconfortável. A conversa muda de tom de maneira quase imperceptível, mas extremamente eficiente. Em um momento, dois ex-torturadores trocam papos e lembranças do cotidiano; no seguinte, surgem questionamentos diretos sobre métodos, responsabilidades e justificativas morais. Um defende a ideia de dever cumprido e da suposta necessidade daquele trabalho; o outro deixa escapar incômodos e culpas que jamais encontraram descanso.

“Um Café e Quatro Segundos” propõe uma reflexão dura sobre feridas abertas durante o período ditatorial brasileiro, feridas que permanecem expostas e sem cicatrização até hoje. O diálogo entre Aristides e Castro Mendes se transforma em um embate moral e ético, que atravessa desde discursos de “defesa da nação” até a denúncia da violência institucionalizada e de seus efeitos prolongados na sociedade. O filme não oferece respostas simples, mas obriga o espectador a encarar essas contradições de frente.

O curta não se concentra na figura da vítima direta da tortura, mas lança luz sobre aqueles que executaram ordens e sobre como esse sistema também os corroeu. No entanto, a narrativa deixa claro que o impacto não foi igual para todos. Aristides parece ter sido atingido de forma mais profunda, carregando uma dor silenciosa e acumulada ao longo de décadas. Suas falas, pausas e expressões revelam um sofrimento contido, que nenhuma justificativa ideológica consegue apagar.

O debate sobre os limites ultrapassados pelos órgãos de repressão é abordado com contundência. A angústia de Aristides não está relacionada apenas à repressão de grupos armados, mas ao conhecimento de que inúmeros inocentes foram perseguidos, desapareceram ou morreram sem terem qualquer ligação direta com movimentos de resistência. Esse reconhecimento transforma o passado em um peso insuportável, que retorna naquele encontro aparentemente banal.

Com interpretações extraordinárias de Samir Murad e Osmar Prado, Cristiano Requião extrai o máximo de cada palavra e de cada silêncio. A tensão cresce de forma progressiva, colocando o espectador em um estado constante de expectativa e desconforto. Não se trata apenas de observar dois personagens em cena, mas de testemunhar um confronto entre consciências, onde arrependimento, negação e crueldade se chocam. Ou, talvez, a constatação de que para alguns não existe arrependimento possível.

O filme demonstra, com enorme precisão, como um único ambiente e um roteiro bem construído podem sustentar uma narrativa poderosa. “Um Café e Quatro Segundos” acerta plenamente nos aspectos narrativos e dramáticos, assim como nos elementos técnicos. A direção de arte, ao enfatizar a organização da casa de Aristides, cria um contraste perturbador com o que está prestes a acontecer. Fotografia e montagem mantêm um equilíbrio rigoroso, potencializando o impacto emocional dos personagens. O som e a trilha sonora, utilizados de forma contida, aproximam ainda mais o espectador dos dois amigos e reforçam a sensação de realidade.

“Um Café e Quatro Segundos” é uma verdadeira joia do cinema brasileiro em curta-metragem. Um drama com fortes camadas de suspense que incomoda, provoca e convida à reflexão sobre um passado que não pode ser esquecido. Ao abordar as consequências de ações cometidas em nome de um regime, o filme lembra que certas escolhas geram reações inevitáveis e que, muitas vezes, o acerto de contas chega de forma brutal e definitiva, culminando em um desfecho profundamente chocante. 

      

A VELHA A FIAR (1964)

 

Com direção de Humberto Mauro, um dos maiores nomes do cinema brasileiro, “A Velha a Fiar” é um delicioso curta-metragem que conduz o espectador a uma viagem por um universo próprio, onde o sentimento mais presente e marcante é a nostalgia. Trata-se de uma obra simples em aparência, mas extremamente rica em sensações, memórias e significados, capaz de atravessar gerações com a mesma força afetiva.

Humberto Mauro nos apresenta um ambiente rural que se constrói de maneira orgânica, acompanhado por uma música que imediatamente nos situa naquele espaço e naquele tempo. A música incidental, calma e cadenciada, funciona como um convite à contemplação. Ela introduz o lugar, os personagens e o ritmo da vida no campo, retratada de forma genuína, harmoniosa e serena. Tudo ali parece seguir um fluxo natural, distante da pressa urbana, permitindo que o espectador observe cada detalhe com atenção e afeto.

O cotidiano apresentado na primeira parte do curta, com homens, mulheres, animais e insetos compartilhando o mesmo espaço, prepara cuidadosamente o terreno para o que vem a seguir. Esse registro quase observacional, que acompanha gestos simples e rotinas básicas, cria uma atmosfera de intimidade e pertencimento. É a partir dessa construção que o filme transita para a segunda parte, marcada pela canção infantil que dá nome à obra e que passa a conduzir toda a narrativa.

Humberto Mauro trata cada elemento com extremo cuidado e sensibilidade. A introdução não é gratuita, mas uma preparação essencial para a imersão musical que se segue, fazendo com que o espectador, quase involuntariamente, tente acompanhar ou cantar a canção junto com o filme. Os arranjos musicais, de Aldo Taranto, e a interpretação do Trio Irakitã são fundamentais para o impacto da obra, conferindo ritmo, leveza e um caráter lúdico que dialoga diretamente com a memória afetiva do público.

Após longos planos abertos que revelam riachos, tanques, bois, cães e o carro de bois, elementos que povoam o imaginário da cultura caipira brasileira, somos finalmente apresentados à velha que dá título ao filme. A câmera observa com atenção esse universo, valorizando não apenas a personagem central, mas todo o contexto que a cerca, como se cada imagem fosse uma extensão da canção que está por vir.

Em sua máquina de costura, a velha tenta realizar o seu trabalho, sendo constantemente atrapalhada por uma mosca. Mateus Colaço, vivendo a velha a fiar, constrói sua atuação de maneira sensível e cômica, mesmo sem o uso de diálogos. A expressividade corporal e o timing preciso permitem que o espectador compreenda emoções, intenções e situações apenas pelo gesto e pelo olhar. O ator acaba por imortalizar não apenas uma canção, mas uma obra cinematográfica de valor inestimável.

Muita gente considera “A Velha a Fiar” o primeiro videoclipe brasileiro. No entanto, ao observar o filme como um todo, é possível perceber que sua primeira parte se aproxima de um registro documental, enquanto a segunda assume plenamente o caráter musical. A genialidade de Humberto Mauro está justamente nessa fusão, conseguindo, em pouco mais de seis minutos, apresentar um universo rural completo e evocar uma canção que independe de localidade, funcionando tanto no campo quanto na cidade.

A sequência musical é uma verdadeira obra de arte, marcada por uma montagem inventiva e extremamente precisa. A cada novo personagem que surge em cena, guiado pela letra da canção, o ritmo da edição se intensifica. Ainda assim, esse aumento não cansa nem dispersa, pelo contrário, acrescenta dinamismo e mantém a empolgação do espectador até o último minuto.

Mesmo com as diversas variações que a canção ganhou ao longo do tempo, é quase impossível não se identificar com o filme, especialmente para quem viveu a infância nos anos oitenta ou antes. “A Velha a Fiar” é uma obra atemporal, que atravessa épocas sem perder sua força, seu humor e sua ternura. É uma joia do cinema brasileiro, um clássico absoluto que merece todos os elogios. Ao assistir a esse curta de Humberto Mauro, a sensação final é a de um profundo e doce gosto de nostalgia, daqueles que permanecem na memória por muito tempo.

KRAJCBERG, O GRITO DA NATUREZA (2012)

 

Os diretores e documentaristas Paula Saldanha e Roberto Werneck viajam para Nova Viçosa, no sul do estado da Bahia, para uma reportagem com Frans Krajcberg.

         Realizado pela TV BRASIL e RW Cine, a produção de “Expedições” encontrou o polonês que lutou na Segunda Guerra Mundial e, posteriormente, se mudou para o Brasil, dedicando mais de cinco décadas à preservação do meio ambiente, às denúncias de desmatamentos e queimadas, e a produção de arte com elementos de matérias-primas da natureza.

            Após a Segunda Guerra, Krajcberg morou na União Soviética, onde estudou Engenharia e Artes. Na Alemanha, prosseguiu com os estudos na Academia de Belas Artes de Stuttgart. Chegou ao Brasil em 1948.

         Morou em vários locais do Brasil, pesquisando e produzindo esculturas a partir de madeiras mortas. Viajou por várias regiões do país, sempre se dedicando às questões ambientais.

         Naturalizou-se brasileiro e passou a morar no Sítio Natura, em 1972, no sul da Bahia. Ali fez sua residência e ateliê. Na área de 1,2 km², num resquício de mata atlântica, Krajcberg plantou mais de dez mil mudas de espécies nativas.

            Ao mesmo tempo em que produzia arte e era condecorado com várias premiações, Krajcberg se tornou um dos grandes ativistas ambientais do Brasil. E tudo isso é falado pelo próprio Krajcberg em sua entrevista concedida para Paula Saldanha.

         “Krajcberg, o Grito da Natureza” mostra, através dos depoimentos de Frans Krajcberg, um grande orgulho por seu trabalho a favor do meio ambiente e do planeta. Mas também demonstra uma insatisfação e frustração diante das constantes agressões contra a natureza.

         As artes de Frans Krajcberg são denúncias. As características de suas obras lembram que um pedaço de madeira, um dia já foi uma árvore viva e constituinte de um habitat.

        Frans Krajcberg fala sobre os horrores da guerra e da irracionalidade de se matar pessoas. Por viver e ter sido obrigado a lutar, a sua revolta contra a guerra é mais do que justificável, porque ele esteve no campo de batalha e isso com certeza afetou muito o seu psicológico e emocional.

         O Documentário mostra o Sítio Natura e todas as suas belezas, inclusive uma casa construída, a sete metros do chão, no alto de um tronco de pequi. Krajcberg teve ajuda do amigo e arquiteto Zanine Caldas para construir a casa da árvore. O sonho de Zanine era fazer do lugar um centro cultural, e Krajcberg foi morar no lugar a convite do amigo.

         Com a competência que já é uma marca registrada, a equipe de Saldanha e Roberto Werneck, produziu um Documentário sensível, onde um homem, arte e natureza se completam. “Krajcberg, o Grito da Natureza” é um filme que merece ser visto e revisto muitas vezes.

PANDEMÔNIO (2024)

 

Com uma abordagem criativa e muito bem estruturada, “Pandemônio”, escrito e dirigido por Caio dos Santos, se destaca como um Terror sólido e inteligente, que dialoga com o Suspense e outros subgêneros do horror sem jamais perder sua identidade própria. O curta aposta menos em fórmulas prontas e mais na construção gradual de tensão, criando uma experiência incômoda e perturbadora para o espectador desde os primeiros minutos.

Um dos grandes diferenciais de “Pandemônio” está na divisão da narrativa em quatro atos muito bem definidos. O primeiro funciona como uma apresentação clara e objetiva do protagonista, de sua equipe e do tipo de trabalho que realizam. Esse momento inicial é essencial para estabelecer o tom do filme e criar uma relação de confiança com quem assiste. A partir daí, os atos seguintes intensificam progressivamente o impacto da narrativa, combinando escolhas dramáticas precisas com um arco narrativo extremamente bem executado e um uso técnico consciente, que prepara o terreno emocional para cada nova etapa da história.

A obra parte do universo de Phantom, um youtuber especializado em investigar e resolver casos sobrenaturais. Essa escolha é particularmente eficiente, pois utiliza uma linguagem contemporânea e familiar ao público. Logo no início, o personagem explica sua atuação, a dinâmica de sua equipe e apresenta o pedido de ajuda de uma família que vive atormentada por fenômenos paranormais. Essa introdução não apenas contextualiza a trama, como também posiciona o espectador dentro da lógica do filme, quase como se fosse um usuário acompanhando um conteúdo real da plataforma digital.

Caio dos Santos demonstra grande domínio ao inserir o público na narrativa a partir da chamada de Phantom. A imersão se constrói de forma paciente e precisa, sem pressa ou excesso de informações. O protagonista percorre a residência, apresenta os cômodos, descreve objetos comuns e relata o histórico de eventos estranhos. Tudo parece comum à primeira vista, mas essa normalidade aparente é justamente o que potencializa o desconforto, pois o espectador sente que algo está fora do lugar, mesmo quando nada de explícito acontece.

A fotografia é um elemento central na construção do terror do curta. O uso da câmera subjetiva dentro da proposta de found footage aproxima ainda mais o público do protagonista e do seu trabalho. Quem assiste deixa de ocupar uma posição passiva e passa a assumir o papel de alguém que acompanha, em tempo real, aquela investigação. As mudanças sutis de perspectiva ao longo do filme, quando a câmera passa por outras mãos, são decisões extremamente acertadas, pois ampliam a sensação de instabilidade e perda de controle.

“Pandemônio” assusta justamente pelo que escolhe não mostrar. A ausência visual se torna uma poderosa ferramenta narrativa. O silêncio prolongado, aliado à trilha sonora utilizada de forma pontual, constrói uma atmosfera sufocante, marcada pela sensação de aprisionamento e impotência. O uso de jumpscare é restrito a um único momento, o que demonstra maturidade e consciência estética. Em vez de recorrer a sustos constantes, o filme prefere investir na tensão psicológica e no desconforto crescente.

Outro grande mérito da obra está na combinação entre elementos internos do espaço e informações externas que chegam gradualmente ao protagonista. Enquanto o espectador percebe que algo não está certo dentro do apartamento, mensagens enviadas por um membro da equipe revelam coisas cada vez mais perturbadoras. Cada nova informação amplia o horror e reforça a ideia de que a situação é muito mais grave do que parecia inicialmente. O passeio contínuo da câmera pela casa, sem cortes abruptos ou exageros estilísticos, contribui para uma experiência orgânica e profundamente inquietante.

“Pandemônio” escolhe um caminho narrativo claro e segue por ele com convicção. O filme não tenta se impor por meio de excessos, mas se permite existir dentro de sua própria lógica, criando medo a partir de movimentos silenciosos, detalhes sutis e da sensação constante de ameaça invisível. O terror nasce da expectativa, da dúvida e da impossibilidade de compreender plenamente o que está acontecendo naquele espaço.

O medo se torna ainda mais real justamente porque o desconhecido nunca se revela por completo. As mensagens recebidas por Phantom são encaixadas com extrema precisão no ritmo do filme. A cada nova revelação, a tensão aumenta e o espectador se sente cada vez mais preso àquela situação. A história da família que habita a residência é construída de tal forma que o próprio apartamento assume o papel de um personagem vivo, carregado de memórias, dor e violência.

Unindo um texto bem elaborado a escolhas técnicas extremamente conscientes, Caio dos Santos extrai o máximo de cada elemento da narrativa. Fotografia, direção de arte, trilha sonora, montagem e som trabalham em plena sintonia, resultando em um curta de Terror que incomoda, perturba e permanece na memória. “Pandemônio” não apenas assusta, mas provoca, deixando claro que o verdadeiro horror pode estar escondido nos detalhes mais silenciosos.

Merecidamente, “Pandemônio” foi premiado no Festival Internacional de Pernambuco, recebendo menção honrosa na décima edição do Brazil New Visions Film Fest, seleção no Kino Toy Fest e Festival Internacional de Brasília.

MUSEU NACIONAL (1960)

 

Com uma versatilidade narrativa, que acompanha o professor Victor Stawiarski, o Documentário “Museu Nacional” percorre diversos setores do edifício, apresentando a riqueza material do local.

         “Museu Nacional” tem o apoio da narração que explica sobre importantes detalhes do local, como os profissionais, materiais e as áreas onde atuam. A narração inicial explica sobre a construção do imponente prédio na Quinta da Boa Vista, no Rio de Janeiro.

         O curta de 16 minutos faz um minucioso trabalho de divulgação das riquezas guardadas no museu. De crânios dos mais antigos Homo sapiens à catalogação de insetos e minerais, “Museu Nacional” faz uma viagem através da paleontologia, história, arqueologia, botânica, geologia, linguística, etc. De simples pedras minerais até múmias egípcias, o Documentário dirigido por Geraldo Santos Pereira, trata todos os exemplares com a mesma importância.

            Ao explicar sobre os trabalhos dos profissionais, o curta apresenta máquinas e aparelhos e o funcionamento de cada um, somados ao rigoroso trabalho de preservação e restauração de muitos objetos que estão no museu.

           Apesar da demonstração sobre a importância do Museu Nacional, a história foi marcada por faltas de investimentos ao longo do tempo. Provavelmente, nem o professor Victor Stawiarski ou o diretor Geraldo Santos Pereira, poderiam imaginar que, após quase 60 anos após as filmagens do curta, um incêndio destruiria grande parte do acervo do Museu Nacional.

            Em 2 de setembro de 2018, um grande incêndio devastou o local e destruiu uma grande parte do acervo da instituição. Grande parte de fósseis da megafauna brasileira, coleções antropológicas e arqueológicas, acervos etnológicos, documentos históricos, coleção zoológica e botânica foram destruídos pelas chamas. Alguns objetos foram recuperados dos escombros, como fragmentos de "Luzia" e peças da coleção egípcia, mas a vasta maioria dos itens foi perdida de forma irreparável. Desde o incêndio, o Museu Nacional está em processo de recuperação, com esforços para restaurar o edifício e catalogar as peças resgatadas, enquanto busca-se recriar e preservar digitalmente o que for possível. Essa perda é considerada uma das maiores tragédias culturais da história do Brasil, dada a importância e raridade do acervo do Museu Nacional para a ciência e a história mundial.

            Assistir a “Museu Nacional” traz um misto de sentimentos, pois o filme, produzido com grande entusiasmo e orgulho, contrasta com as lembranças do incêndio e a tristeza de saber que muitos dos itens apresentados no curta de Geraldo Santos Pereira não existem mais.

RÓTULO (2013)

 

        É manhã. Fernando e Carol acordam na cama da casa dele e tudo indica que aquele será apenas mais um dia comum, sem grandes acontecimentos. O ambiente é íntimo, tranquilo e cotidiano, até que uma conversa aparentemente banal começa a ganhar corpo. Entre comentários despretensiosos, os dois iniciam um debate sobre beijos. O que começa como uma troca leve de lembranças; beijos bons, ruins, estranhos ou inesquecíveis, rapidamente se transforma em algo muito maior, conduzindo a narrativa para um rumo surpreendente, provocador e extremamente divertido.

“Rótulo” é aquele tipo de curta extremamente eficiente, que demonstra como a combinação precisa entre elementos narrativos, dramáticos e técnicos pode potencializar um texto aparentemente simples. Toda a ação se passa em um único ambiente – o quarto – o que reforça ainda mais a qualidade do roteiro e, sobretudo, a competência de Felipe Cabral, responsável por direção e roteiro. Trabalhar em um espaço limitado exige domínio absoluto de ritmo, diálogos e encenação. E o filme tira o máximo proveito dessa escolha, transformando a limitação espacial em força criativa.

Com Felipe Cabral no papel de Fernando e Julia Stockler interpretando Carol, acompanhamos um debate tão íntimo quanto universal. A conversa sobre beijos se expande e passa a incluir terceiros: ex-namorados, ex-namoradas, casos passageiros e relações que, à primeira vista, pareciam pouco relevantes. Essas lembranças vão sendo usadas como argumentos em uma disputa quase lúdica, mas carregada de implicações, em que cada um tenta provar seu ponto de vista com convicção e ironia.

“Rótulo” trabalha de forma muito inteligente com a ideia de que a orientação sexual de uma pessoa pode, erroneamente, ser definida a partir de experiências pontuais. Na tentativa de “ganhar” o debate, tanto Carol quanto Fernando passam a determinar quem pode ficar com quem e o que cada um é, baseando-se apenas no sexo das pessoas com quem se relacionaram. As conclusões surgem de maneira cada vez mais exagerada, revelando o absurdo dessas categorizações. Se a explicação parecer confusa no papel, o filme “tenta resolver” isso com extrema clareza em cena e, acima de tudo, com muito humor. Mais do que entender racionalmente, o convite aqui é se deixar levar pela lógica torta e pelas provocações do casal.

A química entre Felipe Cabral e Julia Stockler é impressionante. Ambos entregam atuações grandes, cheias de nuances, que transitam com naturalidade entre a brincadeira, o incômodo, a provocação e a irritação genuína. Os diálogos fluem de acordo com o estado emocional de cada personagem, criando uma dinâmica viva e orgânica. Eles se provocam, se desafiam, perdem a paciência e retomam a conversa com ironia e afeto. Carol tenta impor rótulos a Fernando, delimitando o que ele pode ou não ser, enquanto ele oscila entre aceitar o jogo e questionar suas regras. Porém, as “regras criadas” por Carol podem valer para ela também. O grande carisma de “Rótulo” está justamente na forma natural e desarmada com que o filme aborda um tema tão sensível quanto a sexualidade.

Indo além do que se vê em cena, o curta propõe uma reflexão direta e necessária: não existem regras fixas que determinem quem uma pessoa é a partir de suas experiências afetivas ou sexuais. O filme evidencia que rótulos simplificam realidades complexas e ignoram a pluralidade do desejo humano. Em última instância, o que sustenta qualquer relação, afetiva ou social, é o respeito à diversidade. Embora “Rótulo” trate especificamente da sexualidade, sua mensagem se estende a outros campos fundamentais da vida em sociedade: liberdade de pensamento, expressão, crença religiosa e identidade individual. Cada pessoa tem o direito de ser quem é, sem precisar se encaixar em categorias impostas.

Tecnicamente, “Rótulo” é um curta muito bem produzido. A trilha sonora aparece de forma pontual, empolgando nos momentos de maior leveza e cedendo espaço ao silêncio do quarto quando a conversa exige mais intimidade e atenção. Isso permite que os diálogos ganhem ainda mais força. Fotografia, direção de arte e montagem trabalham em perfeita sintonia, sustentando a coesão narrativa e dramática sem jamais chamar mais atenção do que o necessário. Tudo funciona em favor da história e dos personagens.

O resultado final é uma obra divertida, provocadora e extremamente cativante, que prende o espectador do início ao fim. “Rótulo” diverte, faz rir, incomoda na medida certa e convida à reflexão, mostrando que, às vezes, uma simples conversa de manhã pode revelar muito mais sobre quem somos do que imaginamos.

O POETA DO CASTELO (1959)

 

O curta-metragem "O Poeta do Castelo", com roteiro e direção de Joaquim Pedro de Andrade, foi o primeiro trabalho do cineasta e já demonstrava o talento que o consagraria posteriormente. Lançado em 1959, o filme oferece um recorte sensível e poético da vida do renomado escritor Manuel Bandeira, um dos maiores nomes do Modernismo brasileiro. Embora simples em sua estrutura, o Documentário é profundamente imersivo, transportando o espectador para dentro da rotina diária do poeta de uma forma íntima e contemplativa.

A narrativa do curta acompanha um dia comum de Manuel Bandeira, revelando detalhes de seu cotidiano. Desde a ida à padaria pela manhã até o café tranquilo à beira da janela, cada ação do poeta é capturada com uma naturalidade que destaca a simplicidade de sua vida e, ao mesmo tempo, a grandeza de seus pensamentos. A câmera segue Bandeira com delicadeza, mostrando-o em momentos cotidianos, como ao datilografar seus textos, ou ao se preparar para sair de casa, sempre com uma abordagem visual que combina o realismo da vida urbana do Rio de Janeiro com a atmosfera quase etérea da criação artística.

O diferencial do Documentário está na maneira como ele insere o espectador no universo interior de Bandeira. Não se trata apenas de um registro visual de sua rotina, mas de uma reflexão sobre a relação entre o cotidiano simples do poeta e a vastidão de seus pensamentos e obras. As narrações de trechos de suas poesias, na voz do próprio Bandeira, adicionam uma camada de profundidade e emoção ao filme, permitindo que o espectador entre em contato direto com a essência de seu lirismo. A voz calma e serena do poeta ressoa ao longo do filme, criando uma conexão pessoal e quase espiritual entre a obra e o público.

"O Poeta do Castelo" é, ao mesmo tempo, um retrato de um homem e de uma cidade. O Rio de Janeiro da década de 1950 serve como pano de fundo para a vida de Bandeira, mas o foco está sempre na simplicidade de seus gestos e na grandiosidade de seu pensamento. O título do filme, que faz referência ao apartamento do poeta no bairro do Castelo, reforça essa dualidade entre o espaço físico limitado e o universo infinito de sua criação literária. Embora Bandeira viva em um espaço concreto e cotidiano, sua verdadeira morada parece ser o mundo lírico de suas poesias, um lugar sem fronteiras, onde a sensibilidade e a contemplação se expandem.

Mesmo com uma técnica visual que pode ser considerada simples, o filme é repleto de sutilezas que demonstram o olhar apurado de Joaquim Pedro de Andrade. Cada enquadramento e movimento de câmera parece desenhado para capturar não apenas o espaço físico em que Bandeira vive, mas o espaço metafísico que ele ocupa como artista.

A simplicidade do Documentário não diminui sua relevância; pelo contrário, ela realça o impacto da obra. "O Poeta do Castelo" não é apenas um registro de um dia comum na vida de Manuel Bandeira, mas uma celebração de sua existência, de sua obra e de sua capacidade de transformar o comum em algo extraordinário. Bandeira, com sua vida tranquila e seus gestos rotineiros, se revela, através da lente de Joaquim Pedro de Andrade, como um gigante da poesia moderna, capaz de encontrar beleza e profundidade nas coisas mais simples.

Ao final, o curta-metragem não apenas documenta a vida de um dos maiores poetas brasileiros, mas também nos faz refletir sobre a natureza da criação artística e sobre como, em meio ao cotidiano, o gênio literário encontra espaço para florescer. O universo de Manuel Bandeira, apesar de enraizado em sua casa e em sua cidade, é infinito, e "O Poeta do Castelo" é uma janela aberta para essa vastidão de imaginação e sensibilidade.

A ENCOMENDA (2002)

 

O curta "A Encomenda" nos conduz por uma jornada simbólica e reflexiva, oferecendo uma narrativa que, à primeira vista, pode parecer simples, mas que carrega uma profundidade significativa. O enredo central gira em torno de um velho homem, interpretado magistralmente por Othon Bastos, que caminha solitariamente por uma estrada de terra sob um sol implacável, carregando uma mala cujo conteúdo permanece um mistério até o final. Esse homem, com sua expressão cansada e passos lentos, carrega consigo muito mais do que apenas um objeto físico. A mala, aos poucos, revela-se como uma metáfora para o peso emocional de sua vida; arrependimentos, sonhos não realizados, angústias e frustrações acumuladas ao longo dos anos.

Logo no início da jornada, o velho encontra João, um homem mais jovem, vivido por Marcos Breda, que está à beira da estrada tentando consertar seu carro. A interação entre os dois começa de maneira aparentemente casual, com o velho pedindo um pouco de água para matar sua sede. No entanto, o diálogo que se segue, girando em torno da mala enigmática, logo assume uma tonalidade mais profunda. João, curioso sobre o que poderia estar dentro da mala, oferece ajuda, mas o velho recusa, preferindo continuar sozinho sua caminhada. Esse encontro, que inicialmente parece uma obra do acaso, carrega uma carga simbólica que se revela ao longo da trama, sugerindo que o destino de ambos está interligado de maneiras inesperadas.

O cenário em que o curta se desenrola é fundamental para a atmosfera da história. A estrada de terra deserta, com o calor escaldante do sol, não é apenas um pano de fundo físico, mas também uma representação das adversidades da vida, uma metáfora para a solidão e o desgaste emocional que o protagonista carrega. A fotografia de Alan Minas, que também dirige e roteiriza o filme, é essencial para transmitir essa sensação de desconforto, com a luz crua do sol escaldante acentuando o peso da jornada do velho homem. A aridez da paisagem reflete seu estado emocional, enquanto o longo trajeto que percorre sugere uma busca por algo que talvez nem ele mesmo compreenda completamente.

O ponto alto da narrativa ocorre quando os personagens se reencontram, já calçando sapatos novos. Essa mudança aparentemente sutil sugere um progresso simbólico, uma transição para um novo estágio em suas respectivas jornadas. João, que pode ser interpretado como uma figura de transformação ou redenção, insiste em saber o que há dentro da mala, intrigado com o valor que o velho atribui a ela. A resposta, no entanto, nunca é explícita. A mala não é apenas um recipiente físico; ela simboliza o fardo emocional que o velho homem carrega, algo que ele sente ser seu dever suportar, como todos nós carregamos nossas próprias bagagens emocionais ao longo da vida.

O momento mais revelador do filme ocorre quando João finalmente se identifica como alguém enviado para buscar a "encomenda". É nesse ponto que o curta transcende o plano material e assume uma dimensão mais filosófica e metafórica. João, que inicialmente parecia apenas um curioso ou um viajante comum, revela-se como uma espécie de mensageiro, talvez uma figura alegórica da morte ou da aceitação, aquele que vem para aliviar o peso que o velho homem carrega. Quando o velho, relutante, entrega a mala a João, o espectador compreende que essa ação representa muito mais do que uma simples troca de objetos, sendo um ato de desapego, de liberação de suas angústias e traumas, um momento de redenção pessoal.

A jornada do velho homem ao longo da estrada árida torna-se uma metáfora para a própria existência humana, com suas dificuldades, desafios e incertezas. A chegada de João para "buscar" a encomenda pode ser vista como uma representação da inevitabilidade do momento em que todos nós devemos confrontar o que acumulamos e, eventualmente, abrir mão disso para encontrar paz.

O final do curta é envolto em poesia e ambiguidade, deixando muito espaço para a interpretação do espectador. Quando João sugere ao velho que "volte para o lugar de onde veio", essa frase pode ser interpretada de diversas formas: um retorno às origens, à infância ou às memórias mais profundas, ou talvez até um convite para reencontrar a paz interior, agora que o fardo foi entregue. Esse retorno pode representar tanto uma jornada física quanto espiritual/mental, sugerindo uma reconciliação com o passado e uma aceitação do presente.

Outro símbolo que merece destaque é o dos sapatos novos. Ao calçar novos sapatos, tanto o velho quanto João, indicam que estão prontos para seguir em frente, cada um pelo seu próprio caminho. O ato de deixar para trás os sapatos antigos pode ser interpretado como um gesto de renovação, de abandono do passado e das cargas emocionais que ele representa. Essa escolha estética simples reforça a ideia de que, ao longo da vida, precisamos, em algum momento, abandonar aquilo que já não nos serve e caminhar com mais leveza.

"A Encomenda" é um curta-metragem que, apesar de sua duração limitada, consegue explorar questões existenciais e espirituais de forma profunda e significativa. A simplicidade aparente da narrativa esconde uma riqueza de camadas simbólicas que propõe ao espectador refletir sobre o peso das escolhas, a inevitabilidade do desapego e o processo de encontrar sentido e redenção ao longo da vida. Ao não fornecer respostas definitivas, o filme permite que cada espectador traga suas próprias vivências e interpretações, tornando a experiência ainda mais pessoal. Trata-se de uma obra que ressoa no silêncio, na solidão da estrada e no mistério da mala, deixando um impacto duradouro sobre aqueles que se dispõem a acompanhá-la até o final.

"A Encomenda" está disponível para assinantes do Porta Curtas

NARCOLEPSIA (2009)

 

Júlio tem um problema. Júlio sofre de narcolepsia. A narcolepsia é um distúrbio neurológico crônico caracterizado por sonolência diurna excessiva e ataques de sono incontroláveis. O filme, com roteiro e direção de Walfried Weissmann, narra uma entrevista com Júlio.

         “Narcolepsia” tem em sua essência a produção de um documentário sobre Júlio e os desafios do distúrbio que tem e as complicações do dia a dia. A sacada de mesclar o gênero Comédia ao pseudodocumentário é um acerto em cheio para trazer um humor muito bem produzido para o espectador.

         O depoimento de Júlio se alterna com imagens do local onde cede a entrevista, mesclando com narrações em off, diante de situações constrangedoras e hilárias por parte do protagonista. Seja na faculdade, em pontos de ônibus, em confraternizações, ou ainda em momentos íntimos, a criatividade dos realizadores se apresenta com um humor único.

          Gilberto Scarpa é o motor da trama, com tudo girando ao redor de seu personagem e das situações enfrentadas por ele. Seja narrando ou dormindo, Gilberto demonstra uma enorme capacidade de transmitir as frustrações impostas pela narcolepsia. O elenco, que conta ainda com Izzabela Andrade, Leonardo Souza, Gustavo Campos, André Andruxa, Carlos Cadu, Mariana Freitas, Rachel Garcia, Jose Texera e Robson Rio de Janeiro, Luis Jack, Conrado Almada, Fabio Borges, Carlos Paulino, Santusa Prado, Paulo Sergio e Carolina Correa, consegue imergir o espectador, seja na locação onde as filmagens do documentário acontece, seja no cotidiano de Júlio.

         “Narcolepsia” aposta na simplicidade visual, em sua parte documental, alternando cenas em locações mais movimentadas e onde uma preparação de set necessitou do emprego de mais recursos. Mas a potência humorística de “Narcolepsia” reside na potência de seu texto e na competência de Walfried Weissmann, na condução da direção.

           “Narcolepsia” tem elementos técnicos impecáveis; fotografia, arte, trilha sonora e montagem, que dão vida à entrevista com Júlio e também nos flashbacks da vida do protagonista. O resultado é uma combinação perfeita de elementos técnicos, dramáticos e narrativos que extrai o máximo do projeto, entregando um ótimo filme de comédia, super inventivo e carismático.   

RESSACA (2012)

 

“Ressaca” é uma deliciosa comédia que acompanha o dia seguinte de Bia e Renato, após uma noite de farra. Ao mesmo tempo em que vivem uma situação hilária, convivem com o receio do fim da república onde moram.

         O filme, com roteiro de Pedro Aguilera e direção de Mabel Lopes, tem muita qualidade, tanto nos aspectos narrativos quanto nos dramáticos e técnicos. Fotografia, arte e trilha sonora combinam perfeitamente, dando ainda mais luz ao filme, seja através dos efeitos visuais ou da extração do máximo do texto que, praticamente é rodado, em grande parte, num único ambiente. Eu sempre considero que gravar num único ambiente sempre é um desafio. E aqui, a equipe técnica e criativa tira de letra.

        Um dos grandes acertos do curta é a química entre a dupla de protagonistas, Bia e Renato, interpretados por Rita Batata e Paulo Maeda. Os dois jovens vampiros, brincam com a noite anterior e da ressaca atual, mas demonstram preocupação com o risco de serem despejados. Com o elenco de apoio, formado por Daniel Kronenberg, Cesar Gouvea, Pedro Costa, Henrique Schafer, Neyde Marchi, Carolina Capacle, Vera Maria Vieira da Silva, Helder da Rocha, Ângela Ribeiro e Caio Zam, “Ressaca” ganha substância e mais e mais situações bizarras e engraçadíssimas.

        Outro ponto forte do filme é trabalhar com a imprevisibilidade do absurdo; seja com o celular dentro de uma gelatina ou com alguns personagens que são inseridos na trama, trazendo profundidade narrativa e outro tanto de situações hilárias.

         “Ressaca”, definitivamente, não é um filme mais do mesmo. Por se tratar de um filme que envolve vampiros, em um ou outro momento, ele usa alguns elementos da trama para encaixar os personagens dentro da sua realidade, fazendo referências a outros filmes, mas mais como homenagens, mas sempre de forma criativa e inventiva. A equipe de produção não usou clichês do gênero como muleta, apostando na própria capacidade para criar um filme divertido, ousado e extremamente competente.

        “Ressaca” é uma maravilhosa comédia, com um enredo muito bem desenvolvido, personagens cativantes, sequências muito divertidas e uma resolução final perfeita. É o filme para ser visto e recomendados a todos que gostam de uma boa comédia com um toque de sangue.