ANIMANDO (1983)

 

Com muita criatividade e dedicação, Marcos Magalhães dirige e produz uma obra inovadora e cativante, onde seu personagem principal, criado com maestria, precisa enfrentar uma série de situações inusitadas e desafiadoras. O diretor explora com genialidade diversas técnicas de animação, criando um filme que transita com leveza entre diferentes gêneros cinematográficos, como Aventura e Comédia. Ao brincar com essas convenções, Magalhães entrega uma obra que transcende o simples rótulo de Animação, revelando também um caráter experimental e até documental em sua estrutura e narrativa.

O filme, intitulado "Animando", produzido em 1983, é um verdadeiro marco no cinema de Animação brasileiro, produzido em parceria com a agência National Film Board do Canadá. Marcos Magalhães utiliza desde os elementos mais básicos da arte da animação para revelar o complexo e árduo processo de produção por trás de cada movimento e expressão. Ao mesmo tempo em que o personagem é colocado em situações cômicas e surpreendentes, o diretor alterna diversas técnicas de Animação, revelando as dificuldades e desafios enfrentados pelos criadores desse gênero. Com essa abordagem, Magalhães não apenas entretém o público, mas também expõe o caráter profundamente artístico e técnico da Animação, prestando uma homenagem aos animadores e profissionais dessa área.

A obra vai muito além de um simples curta-metragem, conduzindo o espectador por uma jornada visual que começa com os traços mais simples e evolui até as técnicas mais sofisticadas da época. "Animando" é um exemplo atemporal, capaz de nos fazer refletir sobre o desenvolvimento das animações ao longo das décadas. Desde a utilização das técnicas manuais até as inovações mais recentes, como a Animação 3D produzida por computadores, o motion capture e o CGI, o filme nos convida a revisitar o passado e pensar nas transformações que moldaram essa arte.

O aspecto metalinguístico da obra também é fascinante. Enquanto o personagem de "Animando" vive suas aventuras, o filme alterna entre momentos que revelam os bastidores da produção, destacando a interação das mãos do animador com os elementos que estão sendo criados, sugerindo o processo por trás da animação. Esse jogo entre criação e realidade coloca o filme em um patamar único, misturando a magia da ficção com a franqueza do processo criativo, o que enriquece a experiência do espectador.

Além da genialidade técnica e narrativa, "Animando" se destaca também pelo extraordinário trabalho de sua equipe de som e trilha sonora. A música e os efeitos sonoros, produzidos por uma equipe talentosa que inclui Marcos Cabral, Arthur Cabral, Papito, Fernando Miranda, Ricardo Freitas, Sergio Magalhães, Caio Senna, Claudio Wilner, Claudio Valeriano, Sidnei Chagas, Marcos Amirante e a sonoplastia de Leonardo de Souza, complementam de maneira primorosa a Animação, criando uma atmosfera que ora diverte, ora emociona, mas sempre imerge o espectador no universo peculiar do filme.

Marcos Magalhães, com "Animando", não apenas entrega uma Animação tecnicamente brilhante, mas também uma profunda homenagem aos animadores, às técnicas criativas que evoluíram ao longo dos anos, e a todos os profissionais que contribuem para a arte da animação. O filme consegue, em poucos minutos, transmitir a essência dessa forma de arte, mostrando que, por trás de cada movimento fluido e cada cena engraçada ou emocionante, existe uma imensa dedicação e paixão pela criação visual.

"Animando" permanece até hoje como uma das melhores animações já produzidas no Brasil, não apenas por sua inovação técnica e narrativa, mas por sua capacidade de celebrar a própria arte da Animação de maneira tão honesta e envolvente. É uma obra que, mesmo décadas depois de sua criação, continua inspirando novas gerações de animadores e conquistando todos aqueles que têm a oportunidade de assisti-la.

VELHA HISTÓRIA (2004)

 

A partir do poema de Mário Quintana, conhecemos um pescador que fisgou um peixinho e, sentindo pena dele, retirou o anzol, tratou o ferimento e fez surgir uma amizade inusitada entre eles.

A Animação da equipe de Cláudia Jouvin, consegue transmitir o tom melancólico e reflexivo do poema. A trilha sonora combinada com a voz de Marco Nanini traz ainda mais brilhantismo para a história e como ela se desenrola.

“Velha História” trabalha com a proposta das necessidades humanas por ter a quem amar e também ser amado. A amizade do homem e do peixe é motivo de companheirismo e lealdade, sendo admirada pelos outros personagens. Porém, o lugar do peixe não é ali, fora d’água. E o homem passa a ter o pensamento em devolver o peixe à água, por mais difícil que fosse a separação.

O filme aborda questões relacionadas à forma como o ato de amar precisa dar espaço e liberdade para o outro. O amor nunca pode ser uma prisão. O amor não combina com a privação do outro e da perda de sua identidade com a sua essência e natureza.

O curta traz uma reflexão sobre a vida, a passagem do tempo, do que marca e o que realmente é importante. O destino do peixe no final do poema conclui que, assim como a vida, o amor também é transitório e imprevisível, um fenômeno que não pode ser forçado ou mantido contra a natureza das coisas. A morte do peixe é uma metáfora para a inevitabilidade do fim de certas relações e momentos na vida. No entanto, ela também simboliza a necessidade de aceitação e de aprender a viver plenamente, sem posses ou controle sobre o outro. O peixe, ao morrer, representa o ciclo natural das experiências humanas: todas têm um início e um fim, e é a aceitação desse fluxo que nos permite crescer e encontrar significado.

HOTEL DO CORAÇÃO PARTIDO (2008)

 

A Animação "Hotel do Coração Partido" é uma belíssima e sensível obra que traz à tona uma profunda reflexão sobre as relações humanas, tendo como fio condutor o personagem Ronaldo. Este Drama narra a maneira singular como ele guarda cada pessoa que passa pela sua vida dentro do coração, criando um espaço metafórico onde a intensidade das conexões varia de acordo com a importância que essas pessoas têm para ele. Para alguns, há um lugar vasto, enquanto para outros, o espaço é reduzido e quase insignificante. A Animação, com seu tom poético e delicado, revela as camadas emocionais de Ronaldo e a maneira como ele lida com o amor, a amizade e o interesse.

A narração do curta é precisa ao descrever os diferentes tipos de amores que Ronaldo experimenta ao longo de sua vida, seja ele amor romântico, familiar ou de amizade. Com uma construção dramática muito bem delineada, o curta mostra como as afinidades e os graus de parentesco influenciam a maneira como Ronaldo atribui valor e espaço a cada pessoa em seu coração. A beleza da história está em sua simplicidade e profundidade: o espectador é levado a refletir sobre como ele próprio lida com seus relacionamentos e sobre como, muitas vezes, guardamos pessoas em nossos corações de formas muito diferentes.

A narrativa não se limita apenas à visão de Ronaldo sobre quem ele ama e quanto espaço dedica a essas pessoas, mas também revela as intenções de quem o guarda em seu coração. Algumas pessoas o amam de forma genuína, com sentimentos sinceros e profundos, enquanto outras se aproximam dele por puro interesse, manipulando seu afeto para obter vantagens pessoais. A animação capta magistralmente essa dualidade dos relacionamentos, mostrando como Ronaldo, por estar imerso em seus sentimentos, muitas vezes se torna incapaz de perceber o interesse egoísta por trás de algumas aproximações. O curta aborda, de forma sutil, a cegueira emocional que, em muitos casos, impede as pessoas de enxergar as verdadeiras intenções por trás das relações que constroem.

Um dos pontos centrais da trama é o relacionamento de Ronaldo com sua esposa, que ocupa o maior e mais importante espaço em seu coração. Entretanto, o curta revela como, apesar desse amor profundo, Ronaldo ainda reserva pequenos espaços para outras mulheres, sugerindo uma abertura emocional que o torna vulnerável a ser explorado por alguém que reconhece esse sentimento. Esse elemento da trama adiciona uma camada de complexidade ao personagem, que se mostra dividido entre o amor que sente por sua esposa e os sentimentos que, mesmo menores, existem por outras pessoas. Essa dualidade emocional é um dos aspectos mais interessantes da Animação, pois coloca Ronaldo diante de dilemas que envolvem lealdade, desejo e a própria natureza do amor.

Para Ronaldo, amar é o suficiente para acreditar que o sentimento será recíproco. No entanto, a Animação expõe de maneira sutil e impactante que o amor, muitas vezes, não é correspondido da mesma forma. O curta trabalha com a ideia de que, independentemente de quanto espaço alguém ocupe em nosso coração, o amor pode ser negado ou ignorado. Essa desconexão entre o que Ronaldo sente e o que ele recebe em troca é um dos aspectos mais trágicos e tocantes da narrativa, e reflete a realidade de muitos relacionamentos na vida real, onde o amor nem sempre é mútuo ou sincero.

"Hotel do Coração Partido" é uma animação que fala sobre os altos e baixos dos sentimentos humanos. Ao mesmo tempo que explora a alegria do amor correspondido, também lida com a dor da rejeição e a frustração de um coração partido. O curta apresenta de forma muito tocante como o coração de uma pessoa pode se fechar para novos e antigos amores, quando a desilusão se instala e ocupa o espaço que antes era reservado para alguém especial. Essa metáfora do coração como um "hotel", onde diferentes pessoas entram e saem, cada uma deixando uma marca única, é uma maneira criativa e poética de abordar as emoções humanas e suas complexidades.

Os aspectos técnicos da Animação são igualmente impressionantes. A arte, a animação e o som trabalham em perfeita harmonia para criar uma experiência imersiva e emocionalmente poderosa. Os detalhes visuais e a trilha sonora são cuidadosamente projetados para transmitir o estado emocional de Ronaldo e suas experiências, permitindo que o espectador se conecte de forma profunda com o personagem. Cada cena é cuidadosamente construída para reforçar a narrativa.

"Hotel do Coração Partido" é uma grande história sobre amor, desilusão e os complexos sentimentos que nos definem como seres humanos. Com uma narrativa sólida, personagens bem construídos e um enredo que equilibra poesia e drama, a Animação é uma verdadeira joia no gênero, oferecendo uma reflexão sensível e profunda sobre os relacionamentos e as emoções que moldam nossas vidas.

FRANKENSTEIN PUNK (1986)

 

Com roteiro e direção de Cao Hamburger e Eliana Fonseca, “Frankenstein Punk” é uma Animação brasileira que se destaca por sua ousada combinação de gêneros, mesclando elementos de Ficção Científica, Drama, Comédia, Terror e Musical. Essa mistura, aparentemente improvável, resultou em uma obra marcante e cativante, que se tornou um dos grandes clássicos da animação nacional.

A trama segue Frank, uma criatura que desperta em um laboratório ao som de uma música que, de forma simbólica, o acompanha durante todo o curta. Essa trilha sonora é um dos aspectos centrais de “Frankenstein Punk”, servindo como uma ligação emocional entre o personagem e o público. À medida que Frank consegue sair do laboratório, ele explora o mundo à sua volta, passando por diversos cenários e situações que, ao mesmo tempo em que rendem momentos engraçados e tocantes, fazem uma homenagem direta a obras clássicas do cinema. Uma das principais referências é o filme “Cantando na Chuva”, cuja icônica canção-título, "Singin' in the Rain", serve como pano de fundo e inspiração para diversas cenas do curta.

Ao sair em sua jornada, Frank interage com vários outros personagens, sempre provocando reações de espanto e terror por conta de sua aparência assustadora, o que cria um interessante contraste com sua personalidade inocente e curiosa. Essa dualidade é explorada de maneira brilhante pelos diretores, que conseguem equilibrar momentos de tensão com uma certa doçura e leveza que tornam Frank uma figura cativante. Ele se deslumbra com as pequenas alegrias da vida, como a música e as descobertas de novos lugares, enquanto ao seu redor, os personagens reagem de maneira exagerada e caricatural, adicionando toques de comédia e sátira social ao enredo.

Além de uma narrativa envolvente, “Frankenstein Punk” impressiona pelo seu apuro técnico. A coordenação de arte e animação, liderada por Cao Hamburger, é de altíssimo nível, contribuindo para criar um universo visualmente rico e dinâmico. A confecção dos bonecos, a cargo de Vivian Altman, é um dos pontos altos do curta, trazendo uma sensação tátil que eleva a qualidade da animação stop-motion. Os cenários, desenvolvidos por uma talentosa equipe que inclui Pedro Mendes da Rocha, Maurizio Zelada, Ana Mara Abreu e outros, conferem uma atmosfera detalhada e criativa à história, permitindo ao espectador se imergir totalmente no mundo peculiar de Frank.

Outro destaque é a trilha sonora, que desempenha um papel essencial na construção da narrativa. A escolha das músicas e o trabalho minucioso da equipe de som fazem com que cada cena seja carregada de emoção, criando uma sinergia perfeita entre som e imagem. O uso da canção "Singin' in the Rain" não só funciona como uma homenagem ao cinema clássico, mas também como uma metáfora para a experiência de Frank, que, assim como o personagem de Gene Kelly no filme, encontra uma alegria quase infantil em explorar o mundo ao seu redor, mesmo diante das adversidades.

“Frankenstein Punk” não é apenas um curta tecnicamente impecável; é também uma obra que, com sua originalidade e criatividade, antecipou o sucesso futuro de seus realizadores. Cao Hamburger e Eliana Fonseca, hoje nomes consolidados no audiovisual brasileiro, demonstraram já nesse trabalho uma capacidade única de contar histórias com profundidade emocional e inovação estética.

A doçura de Frank, combinada com a qualidade técnica e narrativa do curta, faz de “Frankenstein Punk” uma verdadeira obra-prima da Animação brasileira. É um filme que transcende as barreiras de gênero e público, sendo capaz de cativar tanto aqueles que buscam entretenimento leve quanto aqueles que apreciam uma narrativa rica em subtexto e referências culturais. É uma obra para ser apreciada várias vezes, sempre com novas camadas a serem descobertas a cada vez que é revista.

BOLHA (2018)

 

O curta-metragem "Bolha" é uma obra única que transcende os limites da narrativa tradicional, oferecendo uma abordagem abstrata e poética sobre a vida moderna e a relação do indivíduo com o mundo que o cerca. Dirigido por Mateus Alves, com roteiro de Julio Cavani, Marcelo Pedroso e o próprio Mateus Alves, o filme leva o espectador por uma jornada onírica e introspectiva, explorando as profundezas da consciência e subconsciência de um jovem que, embora inserido na realidade cotidiana, enfrenta uma profunda dessintonia com o que está ao seu redor.

O protagonista de "Bolha" vive uma vida aparentemente comum, movendo-se pelos cenários cotidianos de Recife, como as ruas da cidade, sua casa, consultório do dentista e um café. No entanto, há uma desconexão crescente entre ele e o ambiente ao seu redor, um afastamento que reflete a fragilidade das conexões humanas em uma era de hiperconectividade virtual. A trilha sonora do filme, pontuada por sons de notificações de aplicativos, exemplifica esse paradoxo: estamos cada vez mais conectados por meios digitais, mas emocionalmente e espiritualmente, cada vez mais isolados. Com um simples toque de tela, as relações que construímos podem ser desfeitas, e esse conceito é habilmente explorado ao longo do filme.

A produção de "Bolha" é um espetáculo visual que se destaca não apenas por sua narrativa, mas também por sua estética. O filme foi concebido a partir de pinturas a óleo e acrílico criadas pelo artista plástico pernambucano Daaniel Araújo, e essa escolha artística confere ao curta uma qualidade surreal e texturizada que o diferencia de outras animações. A estética das pinturas é integrada à animação de maneira magistral, oferecendo ao espectador uma experiência visual que vai além do simples entretenimento, proporcionando uma imersão sensorial e emocional.

O trabalho dos animadores e da equipe visual, composta por Ayodê França, Daaniel Araújo, Paulo Leonardo, Bruno Firmino, Sara Holmes e Yanna Luz, resulta em uma animação surrealista de altíssimo nível. Os cenários e os personagens transitam entre o real e o abstrato, e essa dualidade é explorada de maneira fluida e fascinante. Há momentos em que a realidade se dissolve, dando lugar a sequências subjetivas e metafóricas que transportam o protagonista e o espectador para uma dimensão desconhecida, onde as regras do tempo e do espaço parecem não se aplicar.

Um dos grandes triunfos técnicos de "Bolha" está na maneira como a fotografia, a direção de arte e a trilha sonora trabalham em conjunto para criar uma atmosfera imersiva. À medida que o filme avança, o protagonista embarca em uma viagem metafórica que começa em sua realidade cotidiana e, pouco a pouco, se expande para o cosmos. Esse mergulho no desconhecido é uma metáfora para a busca por sentido em um universo que, por mais que o conheçamos, ainda guarda muitos mistérios e vastidões inexploradas. O filme questiona o que há de desconhecido no cosmos e propõe uma reflexão filosófica: como seria experimentar a liberdade absoluta, livre das amarras materiais e das limitações impostas pelo tempo e pelo espaço?

"Bolha" também é uma obra que mescla, com maestria, elementos de diferentes gêneros cinematográficos, unindo o Drama e o Experimental em uma fusão que permite múltiplas interpretações. Cada espectador é levado a trazer sua própria experiência pessoal para a narrativa, que, por sua vez, abre margens para uma interpretação subjetiva. Não se trata apenas de acompanhar o que o protagonista está vivendo; é uma oportunidade de refletir sobre nossas próprias vidas, nossas conexões e as limitações do nosso entendimento sobre o universo ao redor.      

Além de sua abordagem estética inovadora, o filme também carrega uma mensagem filosófica profundamente tocante. "Bolha" nos lembra que, embora cada indivíduo habite seu próprio universo particular, estamos todos interligados por algo maior. A cosmologia que o filme sugere é vasta, complexa e abrangente, onde tudo tem o seu lugar e seu papel, por menor que possa parecer à primeira vista. Essa reflexão é intensificada pela representação visual do cosmos, que surge como um espaço metafórico no qual o protagonista se encontra, e no qual também nos encontramos, como seres em busca de significado.

A maturidade do curta é evidente tanto em sua construção narrativa quanto em sua execução técnica. "Bolha" não é uma Animação convencional; é uma obra metafórica e filosófica que exige do espectador uma postura contemplativa e aberta às nuances e subtextos presentes na trama. Ao mesmo tempo que propõe questões sobre a solidão, a desconexão e a fragilidade humana, o filme também nos convida a sonhar, a imaginar o que existe além das limitações de nossa percepção.

"Bolha" é um curta-metragem que transcende as barreiras do cinema convencional e se estabelece como uma experiência artística e reflexiva. Com sua estética singular, narrativa densa e abordagem filosófica, o filme é uma verdadeira joia do cinema experimental, proporcionando ao espectador uma viagem sensorial e intelectual única. É uma obra que nos desafia a olhar para dentro de nós mesmos e, ao mesmo tempo, a contemplar a vastidão do cosmos, relembrando-nos de que, apesar de estarmos conectados digitalmente, podemos estar profundamente desconectados de nós mesmos e do mundo ao nosso redor, precisando partir numa jornada de autodescoberta.

A ORELHA DE VAN GOGH (2014)

 

Adaptado do conto homônimo de Moacyr Scliar, o curta-metragem de animação “A Orelha de Van Gogh”, dirigido por Thiago Franco Ribeiro, com roteiro de Cris Lima, Glauciene Lara e Marcelo Bassoli, é uma obra sensível e inteligente, que consegue mesclar humor, drama e uma crítica sutil ao comportamento humano em situações de desespero. A história, contada a partir da perspectiva de um garoto, explora a relação de admiração e questionamento que ele tem em relação ao pai, um comerciante endividado que tenta, de forma quase ingênua, driblar suas dificuldades financeiras com uma solução inusitada.

O garoto narra a trama de forma carinhosa e ao mesmo tempo reflexiva, descrevendo seu pai como uma das pessoas mais inteligentes que ele conhece, alguém em quem ele se inspira. No entanto, essa visão começa a ser desafiada quando um evento específico, relacionado a uma dívida, faz com que o menino passe a questionar a esperteza e as escolhas do pai. O pai, dono de um pequeno armazém, enfrenta dificuldades financeiras por vender fiado, acumulando uma série de dívidas que colocam sua família à beira da ruína. Quando um fornecedor chega ao armazém cobrando uma dessas dívidas, o pai se vê numa encruzilhada.

A salvação momentânea surge de forma inesperada: um livro sobre o pintor holandês Vincent van Gogh, esquecido por algum cliente no balcão do armazém. O fornecedor, por coincidência, revela-se um grande admirador do artista, e o clima, antes tenso, se transforma em uma conversa amistosa. Aproveitando a oportunidade, o pai aceita o convite do fornecedor para visitar sua casa e ver de perto as réplicas das obras de Van Gogh que ele coleciona. Determinado a conquistar a simpatia do fornecedor, o pai elabora um plano ousado e mirabolante: ele decide levar um pote de vidro contendo a suposta orelha de Van Gogh, acompanhado de uma explicação criativa e engenhosa sobre como ela teria chegado em suas mãos.

Essa narrativa é o ponto de partida para uma série de reflexões tanto para o garoto quanto para o espectador. O curta não só expõe o desespero do pai ao tentar encontrar uma solução para seus problemas financeiros, mas também mostra como, em situações de crise, as pessoas podem agir de forma impulsiva e irracional, buscando saídas absurdas para escapar da pressão das dívidas. O humor do filme surge exatamente nesse contraste entre a genialidade do plano do pai e o quão absurda é a ideia de que alguém acreditaria que ele possui a orelha de um dos pintores mais famosos da história. Ainda assim, é uma lição para o menino, que, ao ver o pai tentando ludibriar o fornecedor, começa a entender as complexidades do mundo adulto e a necessidade de assumir responsabilidades.

Tecnicamente, “A Orelha de Van Gogh” é um primor. A animação, realizada com extremo cuidado e capricho, recria com precisão os ambientes por onde a história se desenrola: o armazém humilde, as ruas da cidade, a casa da família. Cada detalhe contribui para a atmosfera da narrativa, transportando o espectador diretamente para o cotidiano da família. O trabalho de dublagem também é de alta qualidade, com Samuel Altivo Campos, Leandro Acácio e Marco Nepomuceno dando voz aos personagens de maneira convincente e carismática, o que só enriquece a experiência.

A trilha sonora, de Peregrino Music Studio, com a participação de Izael Castro, Dandan Gallagher, Ana Roberta Resende, Alaécio Martins e Daniel Guedes, é outro destaque do curta. Ela equilibra perfeitamente os momentos de tensão, humor e sensibilidade, acompanhando o ritmo da história e ressaltando os momentos mais impactantes da narrativa. A música serve não apenas como pano de fundo, mas como um elemento fundamental que ajuda a criar a atmosfera envolvente da obra.

Além de abordar temas como a precariedade financeira e as escolhas desesperadas, o curta-metragem faz uma reflexão sobre o processo de amadurecimento do garoto. Ele percebe, ao longo da história, que o pai, apesar de toda sua criatividade e inteligência, comete erros, como a decisão de vender fiado para clientes que não pagam. O garoto já tem consciência de que esse é um dos maiores erros do pai, e essa situação apenas reforça sua percepção de que é preciso aprender a dizer “não” para certas pessoas e enfrentar a realidade com mais assertividade.

“A Orelha de Van Gogh” é uma Animação dinâmica e agradável, que prende a atenção do público ao contar uma história simples, mas cheia de nuances. A equipe de animação, liderada por Marco Túlio Ramos, Thiago Franco Ribeiro e Carlos Matheus Cacá, demonstra grande habilidade técnica ao criar personagens e cenários cativantes, ao mesmo tempo em que mantém a fluidez necessária para que a narrativa se desenvolva de forma natural e envolvente.

O curta é uma ode à imaginação, à ironia e à capacidade humana de encontrar soluções criativas, mesmo nas situações mais difíceis. Ao mesmo tempo, é uma lembrança de que, muitas vezes, a criatividade pode ser insuficiente diante das adversidades da vida real, e que é preciso lidar com as consequências de nossas ações. A experiência do menino, ao lado do pai e do fornecedor admirador de Van Gogh, deixa uma lição importante: o valor de encarar a realidade de frente e a importância de manter o equilíbrio entre a fantasia e a responsabilidade.

Com sua narrativa fluida, personagens cativantes e um humor refinado, “A Orelha de Van Gogh” é uma Animação que conquista tanto pelo conteúdo quanto pela forma. O curta consegue capturar a essência do conto de Moacyr Scliar, trazendo à tona a ironia e o humor característicos do autor, ao mesmo tempo em que oferece uma experiência cinematográfica única e emocionante.

CONTRA-FILÉ (2019)

 

                Produzido com muita eficiência e competência, “Contra-Filé” é uma excelente Animação que mescla com os gêneros Suspense e Thriller. Com direção, roteiro, produção, fotografia e montagem de Pedro Iuá, o curta tem uma atmosfera densa e tensa que sintonizam perfeitamente com o humor ácido e mórbido.

         A trama utiliza uma quebra narrativa, apresentando primeiramente um homem amarrado e ensanguentado. Posteriormente, o curta apresenta o protagonista em sua residência, sendo acordado pelo toque do telefone e um aviso para que fugisse do local, pois pessoas estariam a caminho e ele iria sofrer as consequências. A voz ao telefone lhe aconselha a comprar 60 ou 70 quilos de carne no açougue em frente à sua casa, colocar dentro de seu carro, espalhar alguns fios de cabelos, tocar fogo no local e desaparecer o quanto.

         Ele corre ao açougue, porém a fila cresce rapidamente. Um dos principais acertos de “Contra-Filé” é aliar o sentimento de desespero do protagonista com os diálogos e a forma como Seu Leitão (dono do açougue), Zé Tripa e Valdecir conversam sobre os tipos de carnes e as formas como manusear instrumentos de cortes. Os personagens ganham voz de Almir Martins, Antonio Perez Gonzalez e Gustavo Ottoni, respectivamente. O curta conta ainda com Otto Júnior como a voz ao telefone. A lentidão do atendimento contrapõe com o senso de urgência do protagonista, que precisa o mais rápido possível de carne.

          Os realizadores acertaram em cheio em deixar no ar o porquê da situação, de homens estarem atrás do personagem principal. O que sabemos é que são pessoas violentas e que chegam ao local, quando ele ainda está na fila do açougue.

         Não tendo escapatória, termina sendo agredido violentamente por um homem, enquanto outro, que manuseia algumas bolinhas nas mãos, ordena por mais agressões. Certo é que o protagonista tem algum tipo de acerto de conta com aquele homem, que aparenta ser chefe de um grupo criminoso. O protagonista fica totalmente exposto para a morte, estando nas mãos dele.

         Com cortes rápidos em alguns momentos, “Contra-Filé” tem uma montagem muito bem elaborada que combina com os sensos de perigo e urgência do personagem. Outro elemento técnico muito bem executado é som e trilha sonora, que transmite as sensações de suspense e acidez de um curta com uma narrativa extremamente fluida e surpreendente.

         A direção de animação é de Pedro Iuá, com cenários de Alessandra Vilela, Roberto Custódio, Pâmela Peregrino, Antonia Muniz e do próprio Iuá, assim como na concepção e modelagem de bonecos e objetos, que contam com o trabalho de Antonia Muniz, Miguel Martins e Beatriz Lima.

            “Contra-Filé” é uma Animação que trabalha em sua narrativa com o subgênero de Crime e tem uma produção muito caprichada, combinando muito bem os elementos narrativos e dramáticos aos elementos técnicos. É um curta que extrai o máximo do que tem à disposição, demonstrando a incrível competência dos envolvidos no projeto.

DOSSIÊ RÊ BORDOSA (2008)

 

Com um humor ácido e afiado, “Dossiê Rê Bordosa” é um curta-metragem em Animação que mergulha profundamente no processo criativo por trás da icônica personagem de quadrinhos Rê Bordosa e na surpreendente decisão de seu criador, Angeli, em dar um fim a ela. O filme, com direção de Cesar Cabral, não apenas explora a criação e evolução da personagem, mas também levanta questões sobre o poder do criador sobre suas criações e a relação entre arte e público.

A narrativa do curta alterna de forma inteligente entre uma narração incisiva e mordaz de Lena Whitaker e Odayr Baptista, conduzida pelo roteiro de Leandro Maciel e Cesar Cabral, e depoimentos fictícios de outros personagens criados por Angeli, como Bob Cuspe e Bibelô, além de personalidades reais como Laerte, grande amiga e colega de trabalho de Angeli, e outros convidados, como Márcia Aguiar, Paula Madureira, Tales Ab'Sáber e Toninho Mendes. Essas participações adicionam camadas ao humor do curta, trazendo um tom de pseudodocumentário que satiriza os bastidores do mundo dos quadrinhos, ao mesmo tempo em que presta uma homenagem bem-humorada à trajetória de Angeli.

Ao longo do filme, vemos Rê Bordosa passar de uma personagem secundária a um ícone das noites boêmias paulistanas, imortalizada como a eterna frequentadora de bares, amante do álcool e do caos. A animação ainda recria momentos de sua “vida” fictícia, desde uma infância inventada até os dias em que se tornou uma das figuras mais desajustadas e queridas dos quadrinhos brasileiros.

Um dos grandes trunfos técnicos do filme é a qualidade da animação em stop-motion, cuidadosamente produzida por Cesar Cabral e sua equipe. Os bonecos e cenários, confeccionados por Olyntho Tahara, criam uma atmosfera nostálgica que nos transporta diretamente para os anos 80 e 90, período de auge dos personagens de Angeli. A riqueza dos detalhes visuais, combinada com a trilha sonora precisa e a ambientação caprichada, faz com que o espectador se sinta imerso no universo dos quadrinhos de humor daquela época.

As vozes de Paulo César Pereio, Laert Sarrumor e Grace Gianoukas também são fundamentais para dar vida aos personagens e criar uma dinâmica divertida e envolvente. Pereio, com sua voz inconfundível, empresta ainda mais personalidade à narrativa, enquanto Sarrumor e Gianoukas trazem um toque especial de humor irreverente e sarcástico às suas interpretações. Esses elementos contribuem para que a história se desenrole de maneira fluida, mantendo o ritmo acelerado e o público interessado do início ao fim.

Além de ser uma obra visualmente atraente, “Dossiê Rê Bordosa” é também uma reflexão sobre o papel do artista em relação às suas criações. A decisão de Angeli de "matar" Rê Bordosa é apresentada de maneira irônica, quase como um crime premeditado, gerando discussões sobre o poder do criador de determinar o destino de suas figuras mais populares. O curta-metragem consegue abordar essa questão com um toque de humor mórbido, sem perder de vista o carinho e o respeito pelo legado da personagem e de seu criador.

“Dossiê Rê Bordosa” é muito mais do que uma homenagem a Angeli e a seus personagens. É um tributo a toda uma geração de quadrinistas e revistas de HQs que marcaram profundamente o cenário cultural brasileiro. O filme consegue despertar nos espectadores, sejam eles fãs antigos ou novos curiosos, um desejo de revisitar ou conhecer pela primeira vez o universo dos quadrinhos alternativos dos anos 80 e 90. A trama lembra que, apesar da morte de Rê Bordosa nos quadrinhos, sua irreverência e seu espírito escrachado permanecem vivos na memória e no coração do público.

O curta está disponível no perfil da Coala Filmes no Vimeo: https://vimeo.com/7296571

A ILHA (2007)

 

“A Ilha”, produzida por Mário Lellis e Roger Burdino e com roteiro e direção de Alê Camargo, narra a impressionante história de um jovem que anda pelo centro de uma grande cidade e, de repente, se vê preso a uma situação inusitada.

         Entre o movimento de pessoas e carros, o jovem protagonista percebe que seu celular está com a bateria prestes a descarregar. Observa que, do outro lado de uma avenida, há um telefone público. A sua aventura começa ao atravessar a, até então, pouco movimentada avenida, que se transforma num caos de veículos em alta velocidade. O jovem pula e consegue alcançar uma ilha de trânsito que divide a enorme avenida.

         O jovem tenta escapar da ilha, porém, suas tentativas são frustradas por velozes e perigosos veículos que transitam nos dois sentidos.

            Com uma narrativa fluida e divertida, dividida em capítulos, “A Ilha” mostra a adaptação do jovem naquele espaço restrito, onde é completamente ignorado por motoristas que vem e vão. O filme faz uma crítica de como a cidade, com seus fluxos e movimentos, engolem as cidades e transformam pessoas em seres invisíveis em meio à multidão. O jovem está ali, precisando sair da ilha, mas todos estão muito ocupados consigo mesmos, dirigindo os seus carros e ignorando a existência do jovem. O isolamento do jovem transmite a sensação que, mesmo numa cidade grande, ele está desconectado do todo. E isso ocorre também com os motoristas, que apenas seguem o fluxo, indo ou voltando do trabalho, tendo como objetivo apenas chegar o mais rápido possível em seus destinos. O trânsito caótico contrasta com a “vida” do jovem, preso e sem alternativas.

         Uma das grandes críticas contida em “A Ilha” reside também ao individualismo exacerbado da sociedade moderna. Quantas vezes o protagonista já deve ter passado pelo local e nunca prestou atenção em alguém que estivesse preso na ilha? Quantas vezes ignoramos os problemas visíveis de pessoas no centro da cidade e ignoramos, ou porque não temos tempo ou simplesmente porque a vida alheia não é da nossa conta?

         “É necessário sair da ilha para ver a ilha. Não nos vemos se não sairmos de nós”. A citação inicial do conto de José Saramago deve ser refletida junto com a imersão do espectador nesse curta-metragem. Muitas vezes só damos importância aos problemas de outras pessoas após passarmos por algum problema parecido. Ao conseguir sair da ilha, o jovem sai transformado e passa a ter uma nova percepção de si, e também, um novo entendimento sobre o mundo. Passados alguns dias na ilha, agora ele tem como enxergar coisas que não eram possíveis, justamente pelo fato de até então ter tido uma vida limitada somente ao seu mundo. Entrar e sair da ilha fazem parte de um aprendizado de autoconhecimento e compreensão do mundo.

         “A Ilha” tem elementos técnicos perfeitos, contribuindo para uma narrativa coesa e intensa. O filme tem todos os predicados necessários para uma obra que puxa o espectador pelo braço para uma reflexão de muito mais do que aparece em tela. “A Ilha” é um filme que alterna cenas de humor, num cenário dramático e de aflição. É uma animação de alto nível e que merece ser vista e revista muitas vezes.

           "A Ilha" está disponível no Porta Curtas

TRAZ OUTRO AMIGO TAMBÉM (2010)

 

Baseado no conto homônimo de Yves Robert, “Traz Outro Amigo Também” narra a história de um detetive com muita experiência e que é contratado para uma investigação um tanto incomum.

A narração em primeira pessoa do protagonista ajuda muito a situar e contextualizar o espectador, bem como causar o impacto do pedido do cliente Artur. Interpretado por Clemente Viscaíno, Artur é um idoso que procura o escritório do detetive, em busca de seu amigo imaginário que viu pela última vez quando contava 5 anos de idade. O detetive se espanta com a proposta de trabalho, porém, Artur estava determinado a encontrar o seu antigo amigo, pagando 5 mil reais no ato e outros 50 mil seriam pagos quando o detetive encontrasse a pessoa.

Felipe Mônaco faz um trabalho brilhante em sua atuação como o detetive. Ele descreve muito bem sobre o seu trabalho, sobre a procura de Artur e desenvolve muito bem seu personagem dentro da narrativa.  As únicas informações a respeito do amigo imaginário de Artur são de que se trata de um palhaço de nome Cornelius, com cabelos encaracolados, que usa um chapéu feito de jornal e toca sanfona.

Ao aceitar o trabalho, o detetive não tem ideia por onde começar. Ele decide continuar com outros trabalhos, imaginando que o trabalho contratado por Artur poderia ser resolvido com mais tranquilidade.

O curta tem uma mensagem belíssima sobre encontrar a nossa criança interior, e consequentemente, a felicidade dos tempos de infância. Ao ter a ajuda de crianças para localizar Cornelius, o detetive também passa por uma transformação. E o filme é muito enfático ao afirmar que, sim, precisamos pagar contas e ter outras responsabilidades, mas também precisamos da alegria e momentos que vivemos durante a infância, com sonhos e imaginações sem limites.

Com roteiro adaptado pelo diretor Frederico Cabral, “Traz Outro Amigo Também” é um Drama, indicado para toda a família. A trama é leve e descontraído. A trama se desenrola de uma forma muito sensível e emocionante. E não há como não relembrar a nossa infância.

“Traz Outro Amigo Também” tem uma qualidade técnica impressionante. O início, com uma atmosfera film-noir sugere um filme mais sério. Porém, o espectador entra na brincadeira para descobrir o paradeiro de Cornelius. Aí, a qualidade do texto, da fotografia, arte, trilha sonora e animação fazem o restante do filme ser uma delícia de ser ver.

“Traz Outro Amigo Também” é um curta muito bem produzido, com uma trama fluida, cativante e carinhosa.

OS IRMÃOS WILLIANS (2000)

 

A Comédia em Animação narra a história dos irmãos gêmeos Willians. Era meia-noite e cinco, quando os treze filhos nasceram numa humilde comunidade paulistana, causando confusão entre a mãe, que tinha contado 13, mas só encontrou 12, e o pai, que, quando chegou em casa e viu os filhos, achou que uma ratazana tinha dado cria novamente.

         “Os Irmãos Willians” é uma Animação hilária, que narra o destino de cada um dos irmãos, até sobrarem quatro, que decidiram criar uma banda de pagode. Tendo Lucifério como empresário, a banda dos irmãos idênticos explodiu com o primeiro sucesso “Campainha da Vizinha”. Porém, cada um dos irmãos teve um fim triste e trágico, deixando uma legião de fãs órfãos.

        O curta tem ótimos elementos narrativos e dramáticos. A ambientação num contexto de pseudodocumentário é uma sacada excelente, propondo uma narrativa divertida, engraçada e dinâmica. O texto é muito bem explorado pelo diretor Ricardo Dantas, que também é roteirista do curta.

         Com uma ótima técnica de animação stop-motion, fotografia e trilha sonora, “Os Irmãos Willians” se apresenta como uma Animação de Comédia, com inúmeras referências a bandas de pagode que fizeram sucesso e com algumas críticas à forma como empresários e gravadoras mantinham relações com artistas.

        Com direção de dublagem de Marcelo Campos, o filme conta com as vozes de Cadu, Carlos Campanile, Daoiz, Eleu Salvador, Helena Samara, Jonas Mello, Marcelo Campos, Raquel Marinho, Roberto Rocha, Sérgio Moreno, Walter Breda e Zayra Zordan para dar vida aos personagens, construindo de forma primorosa o ambiente, os contextos e as personalidades dos personagens.

         Com ironia, sarcasmo e humor mórbido, a equipe criativa é responsável pela produção de um curta que entretém e diverte o espectador do início ao fim.

A PRESEPADA (2019)

 

A ótima Comédia protagonizada por Tay Lopes tem direção de Rodrigo César e roteiro de Cadu Pereiva. A trama se desenrola seguindo um golpe que o malandro Hiltinho dá na esposa de um sargento da polícia e com quem ele tem um caso. Após se envolver com a mulher e roubar dinheiro que o sargento guardava debaixo do colchão, ela confessa a traição e o roubo ao marido.

         Perseguido pelos policiais, Hiltinho percorre vários pontos da cidade, até chegar na estação rodoviária e, ao se esconder no banheiro, encontra uma mala. Hiltinho descobre que a mala pertence a um Frei que teve uma dor de barriga. Hiltinho embarca no ônibus, vestido com as vestes do religioso e segue para Belém de Nazaré, usando a identidade de Frei Fernando.

         Quando desembarca na cidade, é recebido pelo Padre Zezinho, interpretado por Paulo Pontes, e fica sabendo que toda a paróquia lhe aguarda para a realização da Cantada de Natal.

         O curta tem uma trama muito bem desenrolada, com uma inteligente construção dos personagens e nas relações que são estabelecidas. Hiltinho conhece, ainda no ônibus, a bela Elaine, interpretada por Camila Bastos. A jovem é filha do prefeito que, alegando dificuldades financeiras, comunica ao Padre que não poderá financiar a tradicional Cantada de Natal. O ator Zé Ramos dá vida ao político.

        Neste contexto, o texto tem um campo fértil para desenvolver a Comédia, com um malando se passando por um Frei; um Romance, com o início de uma ligação de Hiltinho com Elaine; a o Drama, envolvendo o sentimento natalino da população da cidade e o risco de não ter a Cantada de Natal.

         “A Presepada” tem ótimos elementos narrativos, que além da trama conduzida pelos personagens, conta com animações inspiradas em xilogravuras e a narração de um repentista, o que insere o espectador no contexto nordestino, lembrando a literatura de cordel.

         Outro elemento narrativo muito interessante é que a equipe criativa alia muito bem a comédia mais leve a um humor mais ácido. Equilibrando muito bem esses dois tipos de humor, Rodrigo César entrega um curta muito divertido e gostoso de assistir.

        Os elementos técnicos de produção são muito bem aproveitados com destaque para a ótima fotografia, direção de arte, montagem e trilha sonora. A combinação desses elementos com o arco dramático, fazem de “A Presepada” uma ótima Comédia com muito humor do começo ao fim.

GUIDA (2014)

 

     A Animação “Guida” apresenta uma mulher madura, que trabalha no fórum há 30 anos. A sua vida como arquivista é rotineira, assim com a sua vida pessoal e particular.

         Com muita sensibilidade, a diretora Rosana Urbes explora o mundo real e o imaginado pela protagonista Guida. Ela recorda o que passou e reflete sobre o que ainda pode ser feito. Com roteiro de Rosana Urbes, Bruno Castro e Tiago Minamisawa, o curta traz a reflexão sobre o passado, presente e futuro. Com certa idade, já não podemos fazer muitas das coisas que gostaríamos. Porém, o que ficou no passado não tem como ser modificado, então, precisamos nos concentrar no que ainda podemos fazer. E se o tempo corre sem parar, temos que pegar o bonde e seguir na realização de sonhos possíveis.

         Através de uma linguagem poética, “Guida” mostra como é necessário saber lidar com as mudanças físicas, emocionais e psicológicas. Se querermos viver bem, precisamos pensar de forma livre e dar vazão para os desejos e vontades. Guida se deparar com um anúncio para aulas de modelo vivo em um centro cultural. O fato de posar nua para trabalhos artísticos a fazem refletir demais sobre o seu corpo. Porém, ela toma a decisão que entende ser a melhor.

           A protagonista deixa de lado as suas próprias barreiras e decide se libertar. A mensagem principal do belíssimo curta de Drama reside no fato de que é preciso fazer o que se tem vontade, deixar a vida fluir, os sonhos virarem realidade. Se muitos sonhos deixaram de ser realizados durante a juventude, ainda há muita coisa a ser buscada. E a idade não pode ser colocada como um impeditivo.

         Com som e trilha sonora de Ruben Feffer, Gustavo Kurlat, Ana Luiza Pereira e Duda Larson, e storyboard, design e animação de Rosana Urbes, “Guida” é uma maravilhosa produção que mostra que a felicidade, muitas vezes, está mais próxima do que podemos imaginar e que só depende de uma mudança de atitude para vivermos a vida com mais plenitude e leveza.

          “Guida” tem elementos técnicos de animação extremamente refinados e envolventes. Fotografia, montagem e trilha sonora são outros elementos que dão um ar especial para o curta que merece todos os elogios, tanto pela sua narrativa quanto pelo arco dramático sensível e amável.

LUZ, SOMBRA E MEDO (2014)

 

          Com apenas pouco mais de 3 minutos, “Luz, Sombra e Medo” narra o medo de um homem diante de seus medos quando é perseguido por lobos ferozes. Ele se refugia num ser muito maior e que emana luz, fazendo com que os animais se mantenham afastados.

         Com uma identidade visual extremamente bem elaborada, o diretor Mauricio Bartok mescla os gêneros Aventura, Drama e Fantasia nesta Animação. Os efeitos sonoros, de Daniel Figueiredo e José Miguel Enriquez, dão intensidade à trama, variando dentro da narrativa. O resultado é um curta produzido com perfeição e com uma mensagem muito bem definida.

         O filme traz a pertinente reflexão sobre a vida, os problemas, os medos e como enfrentamos tudo isso. A versatilidade de “Luz, Sombra e Medo” permite que as reflexões possam se dar através de um viés religioso ou por uma perspectiva filosófica. A mensagem é igualmente positiva.

         Seja se escondendo dos lobos ou procurando alguma proteção, o homem tem ações racionais, afinal, é muito difícil enfrentar os medos de peito aberto. Geralmente, isso é feito quando não há mais opções para se evitar e o enfrentamento dos medos se faz obrigatório.

         Agarrado ao gigante de luz, o homem permanece seguro e livre dos ataques dos lobos. Porém, quando ele entra num lago e, com certeza, irá sumir, o homem precisa lidar novamente com a falta de luz e segurança. A mensagem é direta e certeira; muitas vezes, os nossos medos, são motivados por nós mesmos. E isso serve para várias situações e vai de acordo com as nossas experiências de vida.

           Eu não posso chegar para uma pessoa e tentar minimizar os anseios, medos e frustrações dela, de acordo com a minha perspectiva. Da mesma maneira, nenhuma pessoa pode usar as suas experiências e visões de mundo para querer determinar como eu devo lidar para vencer os meus anseios, os meus medos e minhas frustrações. Com muita inteligência, a equipe criativa propõe que a vitória diante de medos, anseios e frustrações é uma coisa pessoal, particular e intransferível.

         Quando o gigante de luz começa a sumir, o que sobra para o homem é a sua sombra. E quando ele percebe a origem do que lhe amedronta, ele toma consciência de onde vem os lobos e como ele deve lidar com a presença deles. Talvez, conhecendo a verdade sobre eles, o homem pode descartá-los e seguir com a sua vida de uma maneira mais livre, leve e com muito mais clareza para enfrentar outros problemas e medos que podem surgir ao longo da vida.

        “Luz, Sombra e Medo” é um curta com elementos técnicos muito bem empregados na sua produção, com uma narrativa muito bem definida e um arco dramático sólido e eficaz. O filme é uma Animação com várias camadas e que pode trazer inúmeras reflexões ao expectador.